Exposition de Shai Kremer

La galerie Les filles du calvaire présente la première exposition personnelle en France de Shai Kremer. C’est avec une certaine distance que l’artiste nous invite à découvrir sa série photographique « Infected Landscape ». Aucune violence n’est montrée. Il nous laisse découvrir l’impact de l’armée sur le paysage israëlien. En effet, l’armée crée des villes fictives qu’elle utilise comme zone d’entrainement militaire. Ce sont ces mêmes villes qui engendrent la destruction, omniprésente dans l’oeuvre de l’artiste. Shai Kremer rend bien compte de ce paradoxe.

La deuxième série « Fallen Empires » nous montre comment l’histoire, les hommes, les guerres, les civilisations peuvent laisser des traces indélébiles sur le paysage et sans nul doute sur la société.

L’image d’Israël qui nous ai donné à voir est loin de l’image véhiculé par les médias c’est pourquoi je vous invite à découvrir cet artiste.


Marine Commont

N°245966

Mona Hatoum

Mona Hatoum
13 mars-24 avril 2010
Paris 3e. Galerie Chantal Crousel

Mona Hatoum

Impenetrable2009

Acier vernis noir, fils barbelésBlack

finished steel, fishing wire

300 x 300 x 300 cm

La semain dernière, j'ai visité un xposition d'artiste libanaise Mona Hatoum (née à Beyrouth en 1952) qui expose quelques-uns de ses derniers travaux à la galerie Chantal Crousel à Paris, soit six œuvres/installations.
Mona Hatoum nous convie, à la galerie Chantal Crousel, dans un univers intime cousu de violence et de fragilité. Ses œuvres racontent avec poésie une guerre effrayante. En détournant les objets du quotidien de leurs fonctionnalités, elle nous amène vers d'inhabituelles associations et nous met face à l'étrangeté du familier.

Les œuvres de Mona Hatoum ont le goût d'un poème amer qui nous entraîne sur les chemins de sa mémoire. Artiste libano-palestinienne, elle puise son inspiration dans les résidus d'une guerre indélébile et dans le souvenir d'un bonheur perdu dans l'exil. Que reste-t-il de Beyrouth après les bombardements, quelle image émerge après tout ce temps? Witness, une statue de porcelaine amputée et criblée de balles, martyrisée à son tour. Réplique de celle trônant place des Martyrs à Beyrouth, le temps a effacé son rôle original de commémoration des morts de 1916, elle est devenue aujourd'hui un témoin de la guerre civile.
Dans cette cartographie impossible de la souffrance et du souvenir 3D Cities se compose des cartes de trois villes meurtries: Beyrouth, Bagdad et Kaboul. Le papier entaillé en cratères et éruptions incarne ces villes bombardées puis reconstruites. Il témoigne en trois dimensions de la complexité de la vie qui continue de fourmiller dans les décombres.

Mona Hatoum

3-D Cities (detail)2008

Cartes imprimés, boisPrinted maps, wood

78 x 362 x 180 cm

Le travail de Mona Hatoum nous place dans une tension continuelle: entre la destruction et la construction, la vie et la mort, l'enfermement et la protection. Ces contradictions s'affrontent en puissance dans la pièce centrale de l'exposition: Impénétrable. Un cube aérien, éthéré et léger de 3 mètres de côté flotte comme un fantôme massif. Il semble d'abord si fragile qu'un coup de vent le détruirait. Mais sa délicate apparence se révèle être un paysage de tiges rigides de barbelés. Il nous renvoie au symbole terrifiant de la guerre: est-ce une arme ou un bouclier? Va-t-il blesser ou protéger? L'émerveillement et le pouvoir magique de cette œuvre neutralisent un instant la peur qu'incarne cette forme.

Cette exposition est un oxymore où le familier et l'étranger s'enchevêtrent, la peur cohabite avec le merveilleux, le danger avec la fragilité. Comme chaque naissance qui se passe dans la douleur, le travail de Mona Hatoum laisse germer l'espoir de la renaissance après la destruction.

LEE Danbee (248264)

GUTAI

G U T A I

http://www.GUTAI.COM

J'ai posté un artist qui est un membres fondateurs de Gutaialors, cette fois je présent le group GUTAI.

Kazuo Shiraga - Flêches 1957 -

Gutai (Août 1954 - Mars 1972) est un mouvement artistique d'avant-garde japonais.Gutai est l'un des plus importants mouvements fondateurs de l'art contemporain mondial. Révélé en France et en Europe par Michel Tapié, son influence sur l'art nord-américain et européen reste sous-estimée. Le terme vient de gu, instrument et tai, corps, son adverbe gutaiteki, concret, incarnation, qui s'oppose donc à l'abstrait, c'est-à-dire à l'art abstrait.

le fondateur est Jiro Yoshihara, né en 1905 à Ōsaka, peut être considéré comme le fondateur et le théoricien du mouvement.
En effet, celui-ci en a eu la vocation lorsqu’un jour, il regardait les calligraphies du moine zen Nantenbō peu avant 1954. Il disait : « J’ai été vivement surpris et aussitôt conquis par ces calligraphies grandioses, cernées des éclaboussures noires, jaillies du pinceau! Ce qui m’a saisi alors, c’était moins l’intérêt de ces œuvres en tant que calligraphie, que le fait d’y découvrir quelque chose, disons, de l’ordre de la création, de la forme de peinture que nous cherchons, de l’ordre de ce que les artistes tentent de trouver, et ce qui les fait souffrir […] Qu’on l’exprime au moyen de signes écrits ou de la peinture revient au même, ça ne change rien au fond […] C’est ce que j’ai réalisé d’un seul coup, quand j’ai eu ces œuvres sous les yeux. »
Cependant, il déclare : « Je suis un maître qui n'a rien à vous apprendre, mais je vais créer un climat optimum pour la création. »

Il est pourtant déjà un artiste reconnu de cinquante ans alors que tous les autres ont entre vingt et trente-cinq ans.Ce mouvement prend sa source non pas à Tōkyō mais dans le Kansai, région pourtant réputée plus traditionaliste.

le mouvement a pense importance du Importance du matériau ; œuvres in situ ; rôle dévolu au corps de l'artiste ; performances et gestualité picturale sont (re)découverts par le mouvement Gutai. C'est souvent, mais pas toujours, un art éphémère qui ne laisse de traces que par la photographie.

C'est la liberté et la créativité après la chape de plomb de la dictature militaire puis du traumatisme de la défaite de 1945.
Gutai tire ses origines de l'abstraction, du surréalisme, du mouvement Dada. Il inspire l'Action Painting de Jackson Pollock et de façon plus lointaine le mouvement français Supports/Surfaces. Il a été une révolution au Japon, comme le Dadaïsme en Europe.
« Gutaï est un groupe d'individus qui s'empare de toutes les techniques et matières possibles, sans se limiter aux deux et aux trois dimensions ils emploient du liquide du solide, du gaz ou encore du son, de l'électricité. » (citation de Motonaga)

Formellement, Gutai naît au début de 1955 sous l'impulsion de Yoshihara qui publie dans une revue le Manifeste Gutai en 1956. Des expositions de groupe sont organisées. Michel Tapié, théoricien et critique d’art, rencontre alors Gutaï en 1958. Celui-ci n’exécute alors plus que des peintures sur toile. Cela a suscité beaucoup de critiques dénonçant la perte d’originalité des débuts du mouvement. Cependant, le groupe a commencé à devenir plus connu dans le monde depuis cette rencontre. Cela s’explique par le fait que les œuvres du Gutaï avaient besoin de photos, de vidéos, de témoins pour voir les actes des artistes car leurs œuvres étaient indéfinissables, c’est-à-dire ni vraiment des peintures, ni vraiment des sculptures. Or, avec la peinture, on peut tout de même observer les traces des actes des auteurs. De plus, les tableaux sont plus facilement transportables et exposables. Dans les années 1960 le mouvement continue mais se disperse en 1972, à la mort de Yoshihara.
Une minorité seulement des membres de Gutai continuera alors une activité artistique.

Jeux de mains - Exposition 1958 -

LEE Danbee (248264)

HEY !

HEY ! est le nouveau bébé de Ankama Editions (voir article précédent)

C'est un mook trimestriel (mot valise : book + magazine) de 144 page en papier glacé sans aucune pub et bilingue anglais/français et il coûte 17.90 euro mais les vaut largement. Le premier numéro est sorti le 18 mars 2010. Je n'ai pu me le procurer qu'à la Ankama Convention #5 à Paris ces 17 et 18 avril 2010.


L'édito est signé de Julien & Anne, ce sont eux les instigateurs du projet. Ils sont à la tête d'une équipe de véritables passionnés : journalistes, peintre, graphiste, musiciens, tatoueur...

Dans leur magazine, ils écrivent donc sur ce dont on ne parle pas en France et pour être franche, ça me manquait. J'avais quelques livres, du weirdo deluxe, des BD de Debeurme, de Crumb. Mon refuge c'était l'Abum où je pouvais trouver des livres et des revues étrangères sur la pop cultur ou les art toys... mais nous savons tous que le livre est voué à sombrer dans les abîmes du temps et puis merde, la France des vieux cons faut que ça finisse un jour. Alors que là, une revue, qui va sortir régulièrement et nous parler de la vraie actualité de l'art d'aujourd'hui (c'est vrai, Messager, Boltanski, Orlan je m'en fout !) c'est un cadeau tombé du ciel.

Parlons franchement : cette revue est si riche que je n'ai pas eu le temps de la terminer. J'ai cependant directement sauté sur l'interview de Ludovic Debeurme, un peintre et dessinateur, auteur entre autre de Ludologie et Le Grand Autre doublé d'un excellent guitariste. L'interview, comme tout le reste de la revue, est doublée d'une version en anglais et la qualité des reproduction est telle qu'on croirait presque pouvoir toucher le grain du papierou faire baver le crayon avec ses grosse mains grasses pleines de doigts.
On y parle également d'artistes de tout bord comme par exemple Steph Cop sculpte habilement des fétiches en bois à la tronçonneuse. Pour illustrer cet article en double page, une photographie fidèle de l'une des œuvres de face et de dos laissant au spectateur la liberté (relative puisqu'une image ne remplacera jamais l'objet réel) d'apprécier le travail jusqu'aux petits détails. Il y a aussi l'histoire de "l'art du paño", un art carcéral mexicain apparu dans les années 40. Des détenus illettrés privés de papier et de crayons ayant trouvé le moyen de communiquer avec l'extérieur ou d'avoir des monnaies d'échange en dessinant sur leurs mouchoirs.
Il est vrai qu'à première vue, si on veut vraiment être tatillon sur ce point, la revue HEY ! semble destinée à un public massivement masculin (bien que je sois une fille et que je m'en moque), suite à la visite de Yoko Fukushima dans notre cours, j'arrive à faire le parallèle avec l'article "Fil & Formes" traitant de l'art de la broderie adaptée à l'art d'aujourd'hui (j'avoue que ma remarque est sexiste :D ), des artistes comme Aurélie William-Levaux, Aya Kakeda, Lebas Delaine, Sandrine Pelletier, Cécile Jarsaillon, Isabelle Boinot, Mark Newport, Chicken, David Mecalco, Cécile Jarsaillon, Michael Roy n'utilisent ni crayon ni pinceau mais du fil et des aiguilles et le nombre d'artistes sus-cités en fait autant d'identité artistique différent, de la broderie purifiée d'Aurélie William-Levaux (Les yeux du Seigneur, 2009) aux canevas pornographiques de Chicken (Jolie Broderie, 2007) en passant par les broderies sur couverture de comics de Mark Newport (Spiderman 206, 2005)...

Voilà un avant goût certes succinct de cette revue, mais le mieux que je puisse faire est de vivement vous conseiller de vous l'acheter ou vous la faire offrir (si ce n'est que vous êtes obligés sinon je vous maraboute). Vous trouverez sur le blog de la revue (à visiter d'ailleurs !) un pdf des librairies où vous pourrez vous la procurer. Vous y trouverez également les actualités de la Revue et des bons événements à voir.

Yondas
228455

Ankama - une entreprise, des artistes

J'ai aujourd'hui décidé de parler de la société Ankama, article qui me servira par la suite d'écrire sur une toute nouvelle revue d'art de Ankama presse : HEY !


Ankama est une société française fondée en 2001 par trois amis. Elle s'est vite distinguée comme une société créatrice de jeu vidéo. Elle est la première a avoir développé un MMORPG (meuporgue pour les largués ou Massively Multiplayer Online Role Playing Games pour les gens normaux) entièrement en flash appelé Dofus qui a vu le jour en 2003 et dont la sortie officielle date de 2004. C'est là que commence véritablement l'aventure Ankama.

Des années ont passé, Ankama s'est considérablement agrandie. Elle a multiplié ses activités, non seulement dans le domaine du jeu vidéo mais aussi dans la presse, l'édition, l'animation, le web, la musique, l'événementiel, etc.

Ankama se décline désormais en différentes branches d'activités : Ankama Games, Ankama Presse, Ankama Éditions, Ankama Animations, Ankama Music, Ankama Events, Ankama Play et j'en oublie sans aucun doute.

Pourquoi parler d'Ankama dans un blog destiné à parler d'art ? Et bien parce que j'estime que sa place y est légitime : travaillent pour Ankama un nombre non négligeable de personnes ayant eu des formations artistiques plutôt poussées.
Simple exemple : Maliki, auteur de bande dessinée du même nom édité chez Ankama éditions et character designer sur le jeu et la série Wakfu a obtenu sa licence d'Arts Plastiques à... paris 8 ! et a terminé sa formation aux gobelins ou encore Benoit Laigle (Ben Pirate) qui est responsable du pôle graphiste sur le jeu Wakfu, il a fait Arts Appliqués et d'Expressions Plastique à l'ESAAT à Roubaix puis Atelier BD de l'académie des Beaux-Arts de Tournai.
On retrouve un grand nombre de ces jeunes artistes (moyenne d'âge 30 ans, tous nés entre 1975 et 1984) dans un livre de Ankama éditions : How To Art où l'ont peut apprécier leur travail sur l'univers de Dofus et Wakfu, des conseils, mais aussi un grand nombre de leurs créations personnelles qui sont parfois à des miles de ce que leur métier exige d'eux. C'est probablement la qualité du casting qui fait d'Ankama autre chose qu'une simple entreprise qui produit de l'image ayant pour vocation de faire cracher du flouze aux parents des petits enfants.

Je pense qu'un article est trop court pour exprimer selon moi le rôle d'Ankama dans la vie et la carrière de beaucoup de jeunes artistes résidant en France, mais je vais essayer de faire court et précis.

Bien que les activités de Ankama Games soient conspuées par une grande majorité des gens de ma génération (et ne parlons pas des viocs), je pense qu'il faut accepter cette forme de professionnalisation de l'artiste. Ankama prouve qu'être artiste aujourd'hui ne veut pas forcément signifier être un vieux barbu tâché de peinture qui s'extasie devant un gribouillage dégoulinant de peinture à l'huile au fond d'une cave mal éclairée et mal aérée mais qu'un artiste peut être considéré comme artiste même s'il va au travail tous les matins, qu'il rentre le soir après 8h de labeur et qu'il touche un vrai salaire à chaque fin de mois ainsi que des RTT. Par ailleurs, il n'y a chez Ankama, et le livre How To Art en est un bel exemple, pas la volonté de soumettre l'artiste au joug d'une charte graphique. Elle semble donner la chance à chacun de continuer d'exprimer leur identité graphique et aussi la chance d'être connu et reconnu par le public.
Dans un cours sur l'art dans le jeu vidéo, nous avions émis le problème du jeu vidéo comme art, de comment considérer le jeu vidéo comme une œuvre d'art si on ne peut pas y localiser une patte, ni y reconnaitre un auteur ? Qui peut me nommer un level designer de chez Blizzard ? Idem chez Ubisoft ? Par contre, des "artistes" d'Ankama, je le peux et pas qu'un seul, nous avons tous très facilement accès aux noms et aux œuvres de chacun d'entre eux. Et je pense sincèrement que la différence est là.

Yondas
228455

Willy Ronis à la Monnaie de Paris

Lors d'une interview à France culture de 2009 diffusée dans l'exposition à l'Hôtel de la Monnaie de Paris ,on entend un Willy Ronis de 99 ans parfaitement alerte qui verrait bien pour ses cent ans une belle exposition de l'oeuvre de sa vie.

Cette exposition posthume (puisqu'il est décédera juste avant ) est donc en quelque sorte celle qu'il aurait aimé faire. Née en 1910 , il a traversé le siècle avec son appareil "vibrant" des clichés qu'il pouvait "voler" en dehors du temps accordé à son travail de photo-reportaire.

A quatre vingt dix neuf ans il est un homme simple ,loin des tambours et des trompettes ,il est heureux simplement d'avoir fait quelques bonnes photos.

Cette sélection de clichés dont certains méconnus est intitulée "poétique de l'engagement ". On trouve quelques photos d'ouvriers en grève ,il est question par moment de la déshumanisation de la société. Rappelons que lui même était au parti communiste et adepte de l'autre utopie de son temps , l'humanisme qui ce reflète dans les thèmes abordés dans ses photographies : l'homme de la rue , l'homme du travail,plus particulièrement l'homme démuni ainsi qu'une série de nus féminin et de photos de famille prises lors de "repos dominicale".

On est attiré par quelque chose d'aérien, de tendre envers les sujets; les compositions sont construites de manière très harmonieuses et ces "tranches de vie ordinaire" comme il les nommaient ont quelques choses de plus intemporelle et poétique finalement, que l'ordinaire.Ces instants suspendus ,volés au temps recèlent une mélodie qui touche dans l'immédiat. il y a bien souvent dans ces photos une incongruité qui renversent les choses et nous plonge dans l'imaginaire. Une belle exposition.

Willy Ronis - une poétique de l'engagelent

du 16 Avril au 22 Août à la Monnaie de Paris.

5 euros pour les étudiants.

Rosane 249901

(Licence 3)

Yoko Fukushima

Vendredi 26 mars 2010, heure 15h00 , nous recevons enfin une artiste femme dans notre cours -encore si ce détail a une importance, nous verrons cela plus tard-.

Yoko Fukushima est une artiste japonaise d'une trentaine d'année. Son travail très pertinent, est intéressant pour plusieurs raisons : outre la qualité plastique de ses oeuvres , la richesse, la diversité des médiums employés (coutures,broderie,

dessins,installations,vidéo) il suscite des questionnement de différents ordres , parfois au delà de l'oeuvre elle même.

La plus part des oeuvres de Yoko Fukushima ont comme support d'expression le corps et cultivent l'ambiguïté. Des poissons morts brodés de petites perles délicates(qui n'est pas sans rappeler "les pensionnaires " de Annette Messager ).Une culotte en dentelle tâchée de perles rouges de sang.Des forme sobre,organique,une fragilité apparente qui dissimule une violence contenue. On peut mettre cela en relation la pratique du bondage (photographies d'Araki) ou de façon plus générale la mentalité de la culture japonaise ..

Avec cette tâche de sang "cristallisée", l'artiste semble magnifier un tabou du corps féminin(les menstruations). Elle le dédramatise , rend séduisant ce qui suscite habituellement le dégoût , ouvre une dimension poétique. Au de la de la simple provocation, l'artiste nous raconte la peur de la perte de ses petits bouts de corps (sang, cheveu, ongles, peau...) , petits bouts de soi qu'elle s'entête à conserver méticuleusement dans des bocaux comme des petits fétiches ,que ce soit ses larmes ou ses ongles, à moins qu'elle ne fige la chute de ses cheveux en les brodant sur sa chemise ou ne les range dans une valisette. Une façon comme une autre d'interférer le processus du cycle de la vie. Peut on voire cela comme une forme d'auto-portrait ,un auto-portrait pas d'une personne mais d'une femme?Est ce de l'art "féminin" ?Tout artiste identifiée comme une femme fait elle de l'art "féminin"? Ce terme a t' il une réel légitimité?C'est cette même problématique que suscitait l'exposition semi-permanente "elle@centre Pompidou" à Beaubourg. Le sujet du corps dans son intimité est il l'apanache des femmes?Il y a t-il des artistes hommes qui parlent de leurs propres corps?Si il existe bon nombre d'artiste homme utilisant le corps comme sujet ou support ,(modifications corporels ,questions identitaires ...) ces oeuvres ont des valeurs universelles puisquelles traitent de l'identité del'"humanité" et pas de l'identité masculine...Il y a bien une exposition que j'ai perçu comme de l'art "masculin" même si elle n'était pas présentée comme telle , celle de Philippe Perrin à la Maison de la photographie.L'artiste s'y invente une légende "noire et dorée " ,se mettant tour à tour comme un célèbre gangster. comme pour tourner en dérision les attributs du stéréotype du "mâle" occidentale" : flingue énorme , couteaux géant ,sculpture de bagouse à échelle 3000 , balles alignées comme des phallus (analogie plus qu'évidente) , accessoire d'une pseudo puissance virile. Mais tout à coup "art masculin" sonne très décridibilisant . De plus dire qu'il y ait un art "féminin " sous entant l'existence d'une communauté de femme qui travaillerait "à part" ,sans homme ce qui est quand même loin de la réalité . Vaste question à poursuivre..

Partie du japon il y a 13 ans par manque de libertés créatrices liés aux nombreux tabous du corps ,Yoko Fukushima y a suivit une formation de designer textile dont elle tient son savoir faire technique avant de vivre en France ,le pays des surréalistes, pour étudier aux Beaux arts de Versailles. A ce jours l'artiste a participé à de nombreuse expositions collectives mais n'en n'est qu'a sa première exposition individuelle. Elle ne vit pas de sa production artistique mais de "petits boulots" (j'ai cru comprendre qu'elle travaillait comme brodeuse dans un atelier...sympa le "petit boulot") mais dit ne pas tenir à en faire une source de revenue.

Même si j'ai du être très attentive pour cerner tout ce qu'elle disait , c'était assez plaisant de ne constater qu'un artiste peut réussir à exposer (ce qui entraîne toutes les démarches à faire pour y parvenir ) même s'il n'a pas le talent d'un oracle (ou d'un très bon vendeur de chaussette) Son comportement était en adéquation avec son oeuvre, une Jean François Boclé femelle n'aurait certainement pas fonctionner.

Rosane 249901

(licence 3)