ENTRISME

Entrisme est un magazine alternatif de jeunes gens regroupant divers activités culturelles (musiques, littérature ,mode etc..) . La présentation sur leur site http://entrisme.free.fr/, sorte de manifeste, le dit très justement : "l’enjeu est ici d’affirmer un ton différent, décalé, en rupture avec les formes consensuelles ou démagogiques en vigueur ."
Cette mouvance n'a d'autre ambition que de rayer le passé de la surface de la planète pour s'y faire une place de premier choix. En infiltrant toutes les strates du monde culturel pour le dépoussiérer et faire valoir l'éclectisme d'une jeunesse inspiré par et pour le présent. C'est dans cet esprit du ici et maintenant que se déploie toute une créativité radicale qui tiendrait une place qui se veux très sérieuse tout en n'oubliant pas son aspect dérisoire.

Ainsi chaque rubrique est précédée par une citation en gras de ses créateurs, laquelle pose un défi au sentencieux. On trouve dans ce magazine par exemple, l'esprit du D.I.Y. (do it yourself), bricolage, récup'... des textes tranchants expérimentaux, des photos comme cette série "mode" ou certains modèles montre leurs sexes comme pour se moquer d'une tendance pseudo porno-chic . Des récits d'expériences, de recherches. Des théories aléatoires avec graphique, des interviews. Des histoires de geek . Des trouvailles comme ces retransmissions littérales d'une répétition et du fascinant jeu télévisé motus. Ce magazine est un joyeux bordel foutraque aux idées foisonnantes, lesquels partent d'un sans gène, d'une provocation de l'honnêteté sans peur et sans reproche, de cette gaieté mouvante qui s'écrirait dans le bruit et la fureur; " après nous le déluge".

Entrisme organise également des concerts "sauvages" dans des lieux inadaptés (caves, loft..). Depuis peu, le groupe fait dans l'évenementiel en tant que partenaire de soirées déjà existante ou de festivale(Flash Cocotte ,Scandale! ,Make Some Noize..- je ne vais pas trop paraphraser, je ne me suis rendu à aucune -) .

Le magazine est disponible GRATUITEMENT à la la librairie agnes b.(où le dernier numeros a été crée en résidence dans la galerie) . Il n'en n'existe que quatre à ce jours , TOUS TÉLÉCHARGEABLE EN INTÉGRALITÉ sur le site http://entrisme.free.fr.

C'est gratuit ,c'est subversif et souvent drôle mais intelligent . Alors pas d'excuse.

Rosane 249901 (licence 3)

Hayao Miyazaki

Hayao Miyazaki est un grand monsieur, un monument même de l'animation japonaise et même de l'animation en règle général.
Les thèmes abordés sont l'humanité, la nature, l'écologie et la technologie.
Ces thèmes qui sont très présent dans la culture japonaise sont donc repris dans tous ces films, mais ces thèmes sont bien sur également des thèmes universels.
Ce qui est pour beaucoup selon moi dans le succès planétaire de ces films mais également des excellentes critiques de la presse mondiale en générale mais pas seulement.


L'enfance également est un thème omniprésent car il ne faut pas oublier que le studio Gibli dont Hayao Miyazaki est le cofondateur est un peu l'équivalent de ce qu'était Disney il y a quelques années encore au Japon et que donc le public type est tout de même l'enfant.
Cependant la puissance des thèmes et le non manichéisme de ces films dépassent le cadre du simple film pour enfant.


L'intérêt des films selon moi est aussi donc le non manichéisme du scénario et des personnages (comme dit plus haut)
L'humain est au centre de tout et souvent ce dernier se retrouve devant ses propres démons: avidité, violence,... Mais c'est l'humain dans sa complexité et avec ses défauts qui est peint chez Miyazaki et il n'est jamais caricaturé à outrances avec le schéma classique héros pur qui veut sauvé le monde face au méchant qui veut le détruire.

Tout est nuancé en teintes de gris, tout est subtil. "L'ennemi" est en fait souvent une facette que les gens possèdent mais qu'ils tentent d'éradiquer ou d'effacer cristalliser à travers un personnage.
Et c'est justement a travers un combat contre lui même et contre les difficultés de la vie que le "héros" se bat.

Et bien sur la réalisation n'est pas en reste, les décors sont magnifiques (de véritable tableaux peints) et l'animation est sublime où la technique "old school" cotoie l'animation numérique actuelle pour un résultat toujours impressionnant.
Mais jamais la technique est la pour faire de la technique, de "l'esbroufe".
La réalisation reste au service du film pour le meilleur et rien que le meilleur.
Et que dire des musiques dignes des plus grands compositeurs de films qui accompagnent le film?
Rien, il faut juste se taire, s'installer, écouter et bien sur regarder.






JG

C'est la vie ! Vanités de Caravage à Damien Hirst (Musée Maillol)

Je reviens du musée et qu'un mot à dire (ou 3, si vous l'entendez ainsi) : OMG (Oh My God)

Ceci n'est pas un OMG d'émerveillement, mais plutôt un OMG du style WTF (What The Fuck) tant cette expo que j'ai si longtemps attendue - si longtemps espérée, quand je me retrouvais sous des montagnes de livres traitant de la vanité à travers les siècles (soit 2 livres peu lourds - quand mon professeur de physique me disait que je prenais les taupinières pour des montagnes il avait dans ce cas précis bien raison) et que je n'y trouvais, de page en page, que frustration et désespoir - m'a laissée sur la faim (l'expo. Il faut suivre !)

Bref, on va me demander d'argumenter, donc je vais argumenter.

J'ai eu un étrange sentiment kafkaïen en me baladant dans cet espace d'exposition. Sentiment non induit par son architecture mais par cet obscur procédé d'organisation des œuvres. Je m'explique : nous arrivons dans la partie "Contemporaine" de l'expo au rez-de-chaussée (ou un poil en dessous du niveau de la Seine) où sont exposées du Basquiat, du Warhol, du Niki de Saint-Phalle, du Messager, du Hirst (beaucoup de Hirst - encore 2 ou 3 œuvres de cet artiste et on aurait presque pu croire à une expo personnelle + guest)... Bref, des gens quasiment tous morts, mais bel et bien des artistes contemporains.
Puis par un presque demi-tour rotatif chassé incliné (attention à la marche) avant gauche, on arrive dans une salle annexe titrée "cabinet de curiosités" où l'on peut voir côtoyer dans une relative harmonie des anamorphoses anonymes de XVIII-XXè s., une autre anamorphose contemporaine The Skull (P. Delvaux, 1997), des crânes académiques et des cannes en ivoire. Arrivent ensuite, ce qui semble être encore sous le joug de la thématique "cabinet de curiosité", les installations de Alberola, Rien, 1995, et des vidéos de Oursler et Canevare. A savoir le pourquoi du comment ils en sont arrivés là, cela reste un mystère.

La suite de l'expo se passe au second étage (le premier étage étant la suite et fin, mais nous ferons en dernier un tour au sous-sol pour la suite de la suite de la visite... alala la prochaine fois je louerai les services d'un sherpa) où se divise alors l'expo en deux branches à priori distinctes : "Classiques" ("Mourir à Pompéi" et "Naissance de la Vanité") et "Modernes" ("La conscience et la mort").

Alors là, nous entrons dans la quatrième dimension. Crions tous en cœur "WTF".

La visite bifurque premièrement dans la direction des "Modernes" où nous trouvons :

Picasso, Braque, Cézanne... jusque là, c'est pas trop mal... Nadar, McDermott et Mc Dough... moui ok, alors c'est de la photo on va dire que ça passe... Ernst (WTF ?), Ernest Pignon Ernest (WTF !?), Jake & Dinos, the same thing only smaller or the same size but a long way away, 2005 (WTF² !?!)... faut-il continuer ? je préfère que vous me signiez une décharge avant toute chose. Ne vous en faites pas, ya dla bonne à la fin aussi.
Bien, sortons de là, avec une tête ahurie (O_o) mais on se dit que ce ne sont que des anomalies peut-être accidentelles et que tout ira mieux après... Gag.

Quart de tour droite : la partie "Classique".
La partie classique se divise en deux thématiques : "Mourir à Pompéi" et "Naissance de la Vanité".

Mourir à Pompéi

Cette thématique débute avec une mosaïque trouvée à Pompéi et datant du Ier siècle ap. J.-C., intitulée Memento Mori, d'auteur inconnu. Puis suit l'œuvre de P. Pasqua : Crâne aux Papillons, 2006 (?!), puis trois vitrines des bijoux de Codognato, XXe siècle - avec des noms célèbres des amateurs du genre - Annunzio, Vosconti, Onassis, Elton John (la classe)... En face des dites vitrines un accrochage semblé organisé par la Sainte mère Tombola où s'alternent œuvres (peintures et photo) de S. Renard de Saint André, Vanitas, 1650 ; C. Sherman, Untilted, 1992 ; L. Maradori, Cupidon endormi, XVIIe siècle. Et pour couronner le tout, dans une petite pièce au fond, un théâtre d'ombres de Boltanski.
Ah oui, j'oubliais : un autre Hirst.

Naissance de la Vanité

La naissance de la Vanité concerne véritablement la Renaissance. Hors de l'imagerie profane des pays bas - dit "âge d'or Hollandais" ou "siècle d'or néerlandais" (en majorité sous forme de natures mortes), la Vanité prend place dans les œuvres à thématique religieuse comme symbole de la pénitence ou de la méditation et accompagne inéluctablement Madeleine, Saint François ou Saint Jérôme. Avec soulagement, il y a dans cette place Saint François en méditation, Caravage, 1602 (le coquin de Caravage sait se faire prier j'ai eu peur que Caravage soit en fait un pseudonyme de Hirst ! "Vanités, de Hirst à Hirst" ça le faisait pas) ; Saint Jérôme en méditation, P. Paolini, 1629... Et là, c'est le drame : perfidement embusqué entre un Caravage et un Paolini, Skull de S. Levine, 2007 et plus loin encore, une impression de déjà vu, Migraine de... Jake & Dinos, 2004 !

Titubant hors de la vue de ce blasphème, descendons un étage pour voir la suite et fin de l'expo (mais pas la fin pour nous, vous suivez ?)... alors heu... c'était quoi déjà ? Alors je crois... que c'était... art contemporain. Effectivement, en fait si je me souviens bien il y a pour commencer le RDC contemporain, le 2ième étage classique et moderne, puis le 1er contemporain. Voilà, nous y sommes ! "Être ou ne pas être photographié" bon alors, photo, photo, tiens bijou c'est original, photo, peinture, photo, sculpture et... photo.

Bien, bien, bien, intéressant tout çà ! Maintenant, descendons au sous-sol pour voir "la plus grande vanité du monde", The Vanitas Record de Koen Theys, une vidéo de 33.37 minutes en boucle, de 2005. C'est une vidéo reprenant le thème des vanités en nature mortes avec la symbolique principale du temps : amoncellement de livres (les connaissances), d'horloges analogiques ou à aiguilles (le temps), de bougies éteintes et de fumée (le temps et la mort en action), d'escargots (lenteur et temps - CF l'artiste), de crânes humains et d'étoffes (peut-être par soucis esthétique mais aussi un attribut de Saint-Jérôme). Niveau bande son, cette vidéo est qualifiée de "silencieuse", on entend les montres faire tic-tac, les escargots faire des bulles de bave, le coq chanter le jour, les chiens hurler la nuit, le plancher grincer. Le tout entrecoupé de deux interviews de l'artiste concernant son œuvre : les questionneurs semblent surtout intrigués par les escargots (ah les journalistes, ça s'étonne de tout sauf du plus important)... A la fin de la vidéo, la scène change : photographes et caméramans à la pelle sous fond d'un colloc' où les voix des experts et autres mondains de l'Art s'entremêlent dans des phrases quasi-identiques et où l'on n'apprend pas grand chose sur l'œuvre elle-même (bonjour, c'est beau, c'est un record, les livres, les escargots, les crânes, au revoir et merci) et puis des applaudissements à en perdre sa modestie.

Je pense en fait que cette œuvre de Koen Theys est la plus sensée, celle qui parle le mieux de ce qu'est la vraie Vanité. On pourra certes faire raconter la même chose au Saint Jérôme de Paolini mais l'organisation de cette expo étant si illogique qu'elle interfère avec le sens de toutes ces œuvres. L'exposition "C'est la vie" n'est-elle pas d'ailleurs elle-même vanité ? Dans le sens où ce travail et la bonne volonté des collectionneurs à travers le monde pour créer cet heureux événement ont été vains...

Alors puisque le temps nous est cher, avant que nous ne pourrissions, avant que les vers ne se repaissent de notre chair et que nos yeux nous tombent hors des orbites, vous pouvez outre-passer la visite (qui est une perte de temps, je le précise au cas où ça ne soit pas compris) et acheter le catalogue qui est, pour une fois, bien mieux que l'exposition. Et oui, petits veinards ! Pour seulement 38euro (attention 5% de remise en vente sur place c'est une affaire en or !) + 9 euro pour payer le droit d'entrée à la boutique qui se trouve au-delà du tourniquet sagement gardé par un viril vigile d'1 mètre 65, vous pourrez consulter des reproductions miniatures d'œuvres rangées correctement dans les catégories "classique", "moderne" et "contemporain" et en plus dans l'ordre chronologique ! Et en cadeau, 80% d'œuvres qui ne seront pas montrées dans l'expo et que vous ne verrez probablement jamais en vrai donc faites pas chier, merde !


Yondas
228455

Beat Takeshi Kitano

D'entrée des mots me viennent à l'esprit : spontanéité, folie créatrice, chaos organisé, éclectisme, esprit de l'enfance.
Notre regard est plongé dans un univers fantasmagorique et métaphorique.
Mais c'est surtout l'inattendue qui frappe durant ce voyage, Takeshi Kitano surprend.

Voulez vous connaitre les raisons de la mort des dinosaures? Ou les plans top secret de l'armée japonaise ou savoir comment un condamné à mort peut miraculeusement échapper à son destin? Takeshi Kitano nous livre ces secrets.

L' Art est ici utilisé sans complexes et sans prétention apparente.
Une impression de jovialité et de "bonheur en couleurs" se dégagent.
Des peintures cotoient des installations(souvent intéractives),ainsi que des maquettes et aussi son "théâtre" personnel qui propose des extraits de ces émissions à la télévisions japonaise.
L'enfant est quand à lui définitivement chez lui ici puisque des ateliers de dessins notamment lui sont dédié.

La fondation Cartier présente donc ce personnage hors normes et touche à tout (cinéaste, acteur, animateur d'émissions téléviséees, comique, peintre, écrivain) qu'est Takeshi Kitano.
Ou plus précisement nous invite à voyager dans l'esprit de cette homme comme nous le laisse suggérer sa statue présente comme pour nous souhaiter bon voyage.






JG

Exposition- This is the end

Galerie Issue 38, rue Quincampoix 75004 paris du 23/04/2010 au 01/06/2010









Dans le cadre de l’exposition This is the End, il y a les installations et illustrations du graphiste Sébastien Féraut (alias Niark1).
Niark1, de son vrai nom Sebastien Feraut, est de ces graphistes aux champs d’investigation multiples et qui, de fait sont sur tous les fronts. Tant mieux, nous en demandons toujours davantage. Niark1 est un artiste de renom et cela se conçoit aisément.

Son style se traduit par un détournement des codes et des valeurs, les conventions n’ont plus lieu d’être, le déjanté s’empare de tout. Les standards des différentes cultures sont réinterprétés avec toute l’audace qui lui est propre. Et cela tient toujours la route. En effet les personnages d’inspiration cartoon en sont défigurés ou plutôt transfigurés, à l’instar de l’esprit comics qui émane de son travail et auquel Niark1 ajoute une touche de burlesque.
L’espace est toujours saturé, fourmillant de bestioles diverses et variées, plus ou moins lugubres, chacun ayant son rôle dans le théâtre de son imaginaire. Pas une parcelle de la toile n’est laissée pour compte, sur chaque mm2 sera apposée sa dextérité. Dextérité d’ailleurs aussi bien manuelle que cérébrale.C’est ainsi que Niark1 sera exposé en ces lieux, à la galerie Issue.
En parallèle sera présentée l’exposition » Wooderie » des talentueux artistes lillois Amose et Eroné.

Quand la première fois j’ai vu ses l’œuvres, je suis attirée par son couleur pétillant. La forme est abstraite. Graphiste inspiré par le street art, donc les œuvres avaient l’air libre. Niak 1 donne chaque figure une souffle vital, grâce à sa création les figures sont vivantes. Les figures étrangères comme les démons, ils ont les grands yeux. Qu’est ce qu’il nous veut raconter ? Je pense que auteur veut à coup de ses œuvres pour exprimer son sentiment riche dans la vie quotidienne. Ce n’est pas facile de crée les œuvres, mais heureusement il les a fini-This is the est présenté avant tout le monde. Mais il s’agit l’autre création vient.





CAO Meng

Exposition GAO Jie

Artiste Gao Jie né en 1979 à Xia Men, Chine , après ses études en Chine il continue ses étude en France et diplômé DNSEP. Il a fait sa exposition à Show-room, 1 sente Giraud , 93260 Les Lila.

L’œuvre de GAO Jie interroge notre vie quotidienne en inscrivant l’étrangeté au cœur de notre modernité. Ses œuvres nous donnent plein de réflexion. Les œuvres sont éloignées de notions traditionnelles de création. Les œuvres à mettre en scène une situation spécialement pour la pris de vue ou pensée.


Une silhouette courbée vers le sol et dont la tête est connectée à une prise ADSL


Un pied saillant de mur


Un adolescent sculpté dans le béton les yeux rivés sur un jeu électronique

Autre Exposition

10/2009 Exposition << A to Z >> à les lilas

1/5/2009 Festival de Poitier

7/4/2009 Musée de Beaux-arts de Rouen

03/2009 Exposé au festival international art védio et nouveau média Clemont-ferrant " Védioforme " France



CAO Meng
Licence 3

Bernd et Hilla Becher

Bernd et Hilla Becher sont à l’origine d’une nouvelle forme de photographie documentaire. Leur méthode de travail consiste à combiner, de façon systématique, les arts et les sciences, à envisager des suites typologiques à travers les comparaisons, leur photos élèvent le principe de la série au rang de loi esthétique.

Ils ont commencé leur fructueuse collaboration en 1957 à l’époque ou ils faisaient une étude sur le logement des ouvriers en Allemagne, leur pays d’origine. Au fil des années, leur quête de documentation sur les paysages industriels a entraînés d’Allemagne en France. Les Becher contribuèrent à leur façon à une définition du terme objectivité dans l’art de la photographie. Les photos froides et objectives de Les Becher représentant des constructions industrielles ont acquis une place à part dans le monde de la photographie.

Les photos de Châteaux d’eau forment un projet unique autour d’un seul thème. Les sujets sont pris sous huit angles différents et les typologies les Becher ont crée des différences dans le respect des formes multiples externes allant de la simple industriels châteaux d’eau porté à ornements architecturaux.

Dans le contexte de l’art contemporain, on se fonde beaucoup sur un ensemble de significations qui est d’abord compris par l’artiste et le public avant d’être repris et épuré par les spécialistes. On peut apprécier l’héroïsme des Becher qui choisissent de se situer hors de ce cadre.




CAO Meng
Licence 3