Tsuruko YAMAZAKI : Au-delà de Gutai, 1955-2009

Tsuruko YAMAZAKI

Au-delà de Gutai, 1955-2009

13 mars-30 avril 2010

Paris 3e. Galerie Almine Rech

http://www.alminerech.com/pr/

J'ai visité l'exposition de Tsuruko YAMAZAKI en début des vacances. Je m'intéresse à des avant-gardes japonais lors que j'étude le mouvement d'avant-garde. alors j'ai l'occasion de la première exposition de Tsuruko YAMAZAKI qui est un membres fondateurs de Gutai (un mouvement artistique d'avant-garde japonais).

Il y aurait une vie après Gutai. Tsuruko Yamazaki, l'un des piliers du mouvement japonais dès 1954, en est la preuve vivante. Beyond Gutai met en regard quelques pièces «historiques» avec un panorama de ses œuvres les plus récentes. Une première en France pour l'artiste, quasiment jamais montrée en dehors du Japon. De quoi souffler, à 85 ans, des bougies de jouvence.

Cette exposition, la première de Tsuruko Yamazaki en France, présente des oeuvres récentes, faites d'étain et de toile, conçues spécialement pour cet événement, ainsi que des oeuvres de jeunesse dans lesquelles se révélait déjà l'inventivité de l'artiste. Il s'agit d'une occasion exceptionnelle de découvrir le parcours unique de Yamazaki, qui s'étend sur plus de six décennies.

Née en 1925, Tsuruko Yamazaki fut l'un des membres fondateurs de Gutai (Gutai Art Association, 1954-1972). Sous la direction peu conventionnelle de Jiro Yoshihara, ce collectif d'avant-garde a exploré des voies radicales et expérimentales, à la recherche d'un nouveau langage visuel. Yamazaki, qui a choisi l'étain pour ses qualités de réflexion, a développé au fil du temps une grande variété de styles, ce dont témoignent des oeuvres telles que :

The Cans ("Les bidons", 1955), réalisé à partir de trente bidons métalliques recouverts de peinture rose et disposés de manière aléatoire sur le sol ;

Work ("Travail/Oeuvre", 1957), qui se compose de feuilles d'étain écrasées, accrochées au mur, éclairées par des lumières colorées placées sur le sol. Présentées au cours d'une série d'expositions légendaires organisées par Gutai entre 1955 et 1957, ces oeuvres-clés dégagent toutes une sensation de scintillement : la matière, la lumière, les couleurs et les formes se combinent, créant un effet visuel et sensuel maximal.

Dans une série d'oeuvres sur toile des années 1960, Tsuruko Yamazaki a voulu recréer la force hypnotique des reflets jouant sur l'étain. Des formes géométriques et biomorphes aux couleurs vives s'entrechoquent et se superposent sur la toile, évoquant une réalité dynamique et multi-dimensionnelle. Au centre de ces expérimentations, et au-delà de ce que le critique d'art Michel Tapié a appelé la "confusion", on découvre le véritable moteur du travail de Yamazaki : sa curiosité envers la nature de la perception trans dimensionnelle, bien au-delà de la logique. Cette vision éclairante continue encore aujourd'hui d'alimenter son travail, débouchant sur des retournements inattendus et ludiques.

Les oeuvres de Yamazaki datant de la période Gutai ont déjà été présentées lors de nombreuses expositions collectives, parmi lesquelles : "Japon des Avant-gardes 1910-1970" au Centre Georges Pompidou en 1986, ou la Biennale de Venise en 1993 et 2009. La première rétrospective de son oeuvre fut organisée au Ashiya City Museum of Art and History, au Japon, en 2004. Pourtant, son oeuvre postérieure à la période Gutai reste méconnue au niveau international. Le terme "gutai" signifie littéralement "concret" en japonais, mais le collectif l'a utilisé pour manifester sa détermination à "créer de l'art qui prouve que nos esprits sont libres". Au-delà de Gutai, Yamazaki incarne véritablement cet esprit.

En parcourant l'exposition, c'est l'homogénéité de l'œuvre à travers son histoire. Tsuruko Yamazaki goûte toujours l'expérience Gutai et, sans forcément en faire revivre la ferveur et l'intensité dans son travail, lui adjoint une forme d'actualité. L'émotion est pourtant bien là. Dans cette légèreté, dans cette surface rieuse qui sait pourtant prendre ou qui a pris avec l'âge de l'artiste quelques sombres atours. Une émotion que l'on trouvera également dans cette abnégation à la tâche, dans ce désir de remettre toujours en question la vérité de la matière et les caprices de la couleur

LEE Danbee (248264)

Exposition Mareen Fischinger

Notre Dame, Paris, 2009

Centre Pompidou, Paris, 2009

Times square, NYC, 2007

Hotêl de ville, Paris, 2009

Mareen Fischinger, jeune photographe, expose à la galerie Bailly jusqu'au 20 mars. De Berlin à New York en passant par Düsseldorf, Duisburg ou encore Paris, elle nous étonne avec ses photos.
En mode rafale ou pas, l’artiste photographie en plongée, contre-plongée, en prises de vues latérales des lieux communs à tous. C’est aussi bien l’hôtel de ville de Paris, Notre Dame, Beaubourg, une station de métro, une scène de rue New Yorkaise qui nous ai donné à revoir. Chaque lieu représenté n’est pas une photographie mais une panographie. Celle-ci regroupe une centaine de photos et c’est leur assemblage, propre à l’artiste qui crée ces images surprenantes. De nouvelles architectures sont crées, un nouveau regard sur le monde est posé. Tout est fragmenté, déshumanisé. C’est une nouvelle vision du monde qu’elle nous propose.
Remarquable par la maitrise de sa technique, Mareen Fischinger est définitivement une artiste à découvrir.

Son site : http://www.mareenfischinger.com/

Marine Commont

Le thème des surréalistes reste souvent masqué par le travail de Salvador Dali. Le surréalisme, bien que Dali en soit l'un des artistes les plus actif et talentueux, contient un grand nombre d'artistes en tout genre. Notamment André Breton et Max Ernst, donc je vais me servir pour appuyer un des thème de ce mouvement artistique.

Dans les thèmes récurrents du mouvement, on trouve celui du langage, celle du temps, l'idée de mythe … on trouve également le thème de la femme. Thème sur lequel je vais m'attarder ici.

La représentation de la femme trouve plusieurs significations, qu'elle soit objet de désir, de dénonciation … de manière général, elle se mélange continuellement entre machine, géographie … presque mise sur le même plan que l'objet. Femme machine comparable à l'image de la femme objet d'aujourd'hui?

On trouve différentes représentations chez Max Ernst (1891-1976).
Précurseur d'un grand nombre de technique picturales du mouvement, suivit par une grande partie du groupe. Il apprend à dompter son inconscient pour le mettre au service de sa peinture et ainsi arriver à un travail mêlant hasard et geste conscient. Dans sa peinture, l'image de la femme est par endroit celle du désir, comme dans la toilette de la mariée, 1940.

On y retrouve le corps de la femme dénudée, un hermaphrodite monstrueux. Objet de désir par le statu du personnage principal qui dois se marier. Le désir se transcrit aussi par la tenue vestimentaire des personnages féminins. Ils sont nus, et très proches, presque sur le point de s'embrasser.

Dali, lui aussi traduit son désir par la représentation de sa femme. En effet,après avoir convoité Gala à un de ses ami, l'a peinte a de nombreuse reprise nue. Dans un grand nombre de ses tableau, notamment dans Galatée des sphère. On retrouve aussi sa femme dans une huile sur toile, Gala nue de dos regardant un miroir invisible. Dans cette toile on vois Gala nue de dos.

Bien que Dali fasse des corps nus, notamment de sa femme, de manière assez académique, les titres mènent à une lecture de la toile différentes. Dans beaucoup de toiles, il bouscule le corps de la femme, le modifie pour en faire des personnages étranges, dénaturés.

Max Ernst intègre aussi le corps féminin au monde. Symbole d'omniprésence de la femme, d'importance de la femme.

Dans Le jardin de la France, 1962, il représente le corps d'une femme allongée, partiellement recouverte des sédiment du sol. Comme cachée derrière une carte géographique de la France en partie trouée. Rapport entre la femme et le monde, la femme et son environnement, l'univers qu'elle représente et qu'elle habite.

Recouvrir la représentation « académique » de la femme d'une carte reviens a l'enterrer, comme si Max Ernst cherchait a enterrer le nu académique. Il oppose la qualité presque photographique du nu à la qualité plus symbolique et picturale du sol. Le but est peut être de montrer un coté plus poétique, subjectif de la femme. La qualité et la quantité de détail masquant la beauté en enlevant toute la poésie du corps.

Dans ce tableau, l'image du désir apparaît encore une fois. Non seulement la femme est nue, sans visage donnant ainsi un anonymat au personnage qui peut représenter n'importe quelle femme. Ce corps empreinter a Cabanel perd ici tout sont coté saint. Dernier point en rapport avec le désir, le bas noir rajoute une touche d'érotisme.

Un des dernier point que l'on rencontre dans la peinture de Max Ernst est le cas de la femme machine. Cette image de la femme « moderne », de la femme objet, métaphore de l'industrialisation.

Dans La femme chancelante, 1923, le corps de la femme semble prisonnier de la machine, elle semble en faire partie intégrante. Les cheveux dressés, symbole soit d'huile qui coule, de manivelle, mais aussi symbolique de l'hystérie. Max Ernst s'intéresse beaucoup au traité médicaux sur le thème de l'hystérie de Freud. Autre point que soulève cette représentation des cheveux dressés, celle évoqué par Breton lui même pour définir le surréalisme, un rapprochement des contraire, le haut et le bas se mélange.

Le rapport de l'homme avec la mécanisation, avec le monde moderne semble mis à mal. La danseuse est figée, rigide, contradiction avec son état naturel ou elle devrais être plus aérienne. Symbole que la mécanisation obstrue les nature première, les bloques?

William SMETS

Le Surréaliste à Pompidou

Après d’avoir passé le cours de surréaliste en 1^er semestre , je trouve beaucoup d’œuvre inspiré par le surréaliste.

A centre Pompidou , j’ai trouvé un grand tableau très intéressant qui se trouve au première plan de l’entrée au musée.

1. « United Black Window » Toba Khedoori

La Grande Peinture avec la couleur dense noire du pinceau est une peinture de laquelle au centre, on peut voir des petits trous qui rassemblent aux petites fenêtres. La façon de dessiner avec des trous en mettant la technique de perspective qui a montré l’épaisseur réelle pour ce tableau.

La présentation du tableau concentre autour de l’histoire de perspectives, dimensions et « L’intérieur - L’extérieur ». En peinturant en noir et faisant semblant d’avoir des trous au milieu du tableau comme cela a été foré avec des trous sur la toile, on aperçoit que l’on peut voir jusqu’à l’arrière de l’œuvre. L’artiste le peintre comme on est à l’intérieur avec des sombres et en train de regarder vers l’extérieur par des trous sur la toile.

On peut dire que ce style de présentation est inspiré par des œuvres de « Magritte » à propos de la manière « L’intérieur - L’extérieur ». Les œuvres de « Magritte » affichent souvent des trous peintrés comme des fenêtres ou des portes qui ont le sens de la barrière et de la traversée de dimensions « L’intérieur - L’extérieur » par exemple « Les Promenades d’Enclide » (1933), « La Réponse Imprévue » (1933), « La Condition Humaine » (1934), « La perspective Amoureuse » (1935), « Le Poison » (1939).

L’artiste a l’intention de décrire la profondeur du tableau par dessiner à la façon de « perspectives (3D) » sur un plan bi-dimensionnel (2D). Il a fait un camouflage de forme avec des petits trous (environ 30 petits trous) au milieu d’une grande toile pour que l’on ne puisse pas trouver la jante du tableau. Lors de la première vue sur l’œuvre, on aperçoit qu’il y a des trous réels sur la toile noire avec l’arrière-plan blanc.

Cette œuvre est adaptée pour une présentation avec une certaine distance car c’est mieux de ne pas la voir en plein tableau pour que le concept du tableau puisse mieux effectuer avec le concept de perspective et camouflage de forme. Elle est remplie d'idées et d’inspirations par « Surréaliste ». C’est un mélange des deux concepts et des techniques de peinture. L’artiste l’a présentée sous la simplicité mais remplie avec des idées complexes.

Mattanin VORAMALA (258296) L3

Festival exit 2010

Faites place à l'art numérique!

Le festival exit 2010 qui se déroulait au Mac Créteil présentait de nombreuses installations interactives où le public se transforme en chef d'orchestre.
Artistes et scientifiques se côtoient dans cette arène de sons et lumières pour donner à ce festival un air de vitrine technologique tout en insufflant dans chaque oeuvre un petit quelque chose de magique que l'on pourrait qualifié ici d'artistique, une sorte "d'esthétique robotique."

Il est donc normal de se promener, puis de voir s'animer une batterie de parapluies sur les notes de "Singing in the rain" ou de s'amuser avec un laser "intelligent" qui sera capable de suivre les contours d'une main ou de tout autre objet, un laser qui obeit au doigt et à l'oeil selon l'imagination de "l'acteur-spectateur."

S'amuser avec l'électricité qui parcourt l'être humain et en faire une composition sonore ou encore se prendre pour un grand DJ? Des bornes sont disponibles pour cela.
Et pour rester dans le monde de la musique et de la danse des séances de claquettes interprétées par des chaussures solitaires seront la pour ravir les nostalgiques et les amateurs de belles choses.

Bien sur beaucoup d'autres installations sont disponibles, et tout cela afin de faire vivre une véritable expérience au public.

Le corps machine est au coeur du dispositif et le spectateur est d'ailleurs invité à faire le spectacle et à entrer dans la ronde mécanique.





JG

Diane Arbus

Après avoir vu l'exposition de Lisette Model au jeu de paume, je me suis renseigné sur cette photographe. Au fil de mes recherches, j'ai appris qu'elle avait été la prof de Diane Arbus et qu'elle l'avait beaucoup influencé. J'ai donc décidé de vous présenter cette artiste.

Diane Arbus est une photographe américaine qui marqua le XXème siècle grâce à ses photographies engagées. Son sujet favori était les marginaux et elle y consacra toute sa vie. Dans un premier temps nous étudierons la vie de Diane Arbus puis son engagement et pour finir nous parlerons des sujets qu’elle photographiait.

Sa vie, son parcours

Elle est née le 14 mars 1923 de son vrai nom Diane Nemerov. Elle est issue d’une famille de la haute bourgeoisie. Elle a un frère, Howard, de trois ans son ainé et une sœur, Renée cinq ans et demi plus jeune qu’elle. Diane étudie dans deux écoles privées : Ethical Culture School et Fieldstom. Elle développera ses dons artistiques en 1938 à la Cunningham School of Art. En 1941, elle épouse son mari qu’elle a rencontré à l’âge de 14ans, Allan Arbus. Il est photographe de mode et elle tient le rôle de styliste. C’est avec lui qu’elle apprend la photographie. Il lui enseigne les bases et la technique. Elle aura deux enfants avec lui : Doon le 2 avril 1945 et Amy le 16 avril 1954. Peu à peu Diane s’éloigne de son mari et commence à photographier ses propres sujets. Ils divorcent en 1960.
Dépressive, elle se suicide le 26 juillet 1971 à Greenwich Village en avalant une quantité importante de barbituriques puis en s'ouvrant les veines.

C’est en étudiant à la New School à New York que Diane Arbus traite son sujet favori. Sa rencontre avec Lisette Model sera très importante. Elle influencera Diane sur le choix de ses sujets. « Diane Arbus concentre son activité à New York et ses alentours, photographiant des inconnus dans la rue. Fascinée par les personnages hors-normes, elle photographie également des travestis, des handicapés mentaux, des jumeaux, des personnes de petite taille, etc. En mélangeant le familier avec le bizarre, Diane Arbus dresse un portrait troublant de l'Amérique des années soixante.
En 1963, elle obtient une bourse de la fondation Solomon R. Guggenheim qui lui permet de réaliser un travail remarquable intitulé « American Rites, Manners and Customs » (les rites de la société américaine), vaste galerie de portraits d'Américains, pour la plupart inconnus, qui met en exergue les rites sociaux de cette société. En 1967, elle participe à l'exposition « New Documents » qui se tient au Musée d'art moderne de New York avec des portraits qui côtoient les vues urbaines de Lee Friedlander et Garry Winogrand. Là encore, son travail apparaît comme un événement qui contribue à imposer la photographie documentaire comme un genre artistique propre, se distinguant du reportage » comme nous le dit le site wikipedia.org
Depuis 1950, elle utilise une caméra 35mm. En 1962 elle opte pour un leica puis ensuite pour un Rolleiflex (format 6x6). En 1964 elle commence à utiliser le flash. Cela lui permet de compenser le manque de lumière et de découvrir des choses qu’on ne voit pas à l’œil nu. « C’était aussi une façon d’agresser le sujet sans possibilité de riposte et, par le relâchement des divers systèmes de défense, de l’amener durant une fraction de seconde à s’avouer tel qu’il est. »[1] C’est comme ça qu’elle imposera son propre style.

[1] D’après Diane Arbus où le rêve du naufrage de Patrick Roegiers

Son engagement social

Lisette Model dit un jour à Diane qu’elle devait trouver ce qu’elle voulait photographier. Diane Arbus lui répondit qu’elle voulait photographier le diable. Plus tard sa fille, Doon, apportera une nuance à ce qu’avait dit sa mère. Elle dit que ce que sa mère voulait photographier c’était « ce qui est ignoré, ce qui est toujours trop risqué, trop terrifiant ou trop dur à regarder pour quiconque. »[1] C’est ce qu’elle fera tout au long de sa vie. Elle photographiera ce qu’elle appelle les phénomènes de foire c'est-à-dire les géants, les nains etc. en passant par les nudistes, les transsexuels, les jumeaux, les travestis, mais aussi des couples, des femmes seules … Ces personnes qui sont montré du doigt qu’on exhibe ou encore qui essaye de se fondre dans la masse. Ce qu’elle cherche à montrer c’est la souffrance et la solitude qui rythment leur quotidien.
Diane Arbus ne cherchait pas à dénoncer l’exclusion de ces personnes puisqu’elle les prenait la plupart du temps dans leur intimité. Elle voulait montrer l’autre face de l’Amérique c'est-à-dire le désespoir, l’échec qui s’opposent au rêve américain. Elle dresse comme le photographe Weegee « un portrait accusateur et sans appel de son pays. »[2]
Les photos de Diane Arbus sont criantes de vérité et de réalisme et c’est aussi ce qu’elle voulait montrer. Elle avait le courage de voir les choses telles qu’elles étaient.

[1] D’après Diane Arbus où le rêve du naufrage de Patrick Roegiers
[2] D’après Diane Arbus où le rêve du naufrage de Patrick Roegiers



Ses sujets


Les phénomènes de foire

« La plupart des gens vivent dans la crainte d’être soumis à une expérience traumatisante. Les montres sont déjà nés avec leur propre traumatisme. Ils ont déjà passé leur épreuve pour la vie. Ce sont des aristocrates. »[1] C’est ce que disait Diane Arbus à propos des phénomènes de foire (ou monstres). Diane Arbus ne cherchait pas à traiter des sujets insolites, elle cherchait plus à attirer l’attention sur les conditions de ces personnes. Elle avait la capacité de ramener le temps d’une photo à la « normalité » ces personnes hors-normes. C’est en les photographiant dans leur environnement qu’elle arrive à transformer ces individus extraordinaires en personnes banales. Ainsi elle arrive à attirer notre attention sur les conditions de vie difficile de ces gens là.

[1] D’après Monographie d’aperture de Diane Arbus

A Jewish giant at home with his parents in the Bronx, N.Y. 1970

Sur cette photo on peut voir le géant Eddie Carmel et sa famille : son père et sa mère. En le représentant dans son salon entouré de sa famille, Diane Arbus nous montre le quotidien difficile de ce géant. En effet il est obligé de se courber pour ne pas toucher le plafond ou encore pour parler à sa mère. La maison n’est pas adapter à sa taille. Le plafond est trop bas, les fauteuils ne sont pas adaptés à sa taille...Mais Diane Arbus par la simplicité de sa photo à peut être voulu nous montrer une simple photo de famille.
C’est également pour les mêmes raisons qu’elle photographia les nains ou les lilliputiens.

Mexican Dwarf in his Hotel Room in New York City, N.Y.C. 1970

La famille

A travers ses photos de couple, Arbus ne semble pas vouloir montrer l’amour ou la réussite mais plutôt l’échec et l’incompatibilité des deux amants représentés.

Teenage couple on Hudson Street, N.Y.C. 1963

Ce jeune couple a l’air par avance voué à l’échec. Sur cette photo les deux jeunes gens ont une allure de petits vieux. Ils sont l’image de ce qu’ils seront dans quelques années c'est-à-dire un couple qui ne s’aiment pas spécialement mais qui restent ensemble parce que c’est plus simple.

L’enfant chez Diane Arbus est la plupart du temps photographié en train de pleurer, ou s’apprêtant à la faire, ou encore faisant une grimace. Il est généralement pris en gros plan comme pour accentuer l’expression du visage de l’enfant. Il apparaît comme le reflet de l’échec du couple.

Looser at a diaper derby, N.J. 1967


Arbus dresse un portrait relativement négatif de la famille. Les jumeaux semblent pourtant faire exception. En effet ils apparaissent comme le couple idéal, parfait.

Identical twins, Roselle, N.J. 1967

Les nudistes

Comme pour les phénomènes de foire, Diane Arbus se contente de montrer le réel, la vraie vie. Et à travers les nudistes elle représente le corps tel qu’il est c'est-à-dire un corps pas forcement jeune, ni beaux, ni bien fait mais au contraire un corps vieux, pas très bien formés.

A family one evening in a nudist camp, P.A. 1965

Les handicapés mentaux

Un livre entier a été consacré aux photos sur les handicapés mentaux. Les photos ont été prises entre 1969 et 1971 dans des centres spécialisés. La quasi-totalité des photographies n’ont jamais été montré. Comme elle l’a fait avec les géants ou encore les nains, Arbus à travers les photos rend ces personnes « normales » chose qu’ils ne sont pas dans la vraie vie. Elle attire notre attention sur des personnes auquel on ne prêterait pas attention dans la vie quotidienne.

Untitled, 1970-71

Diane Arbus donne une image positive de ce qui peut paraître négatif dans la société et inversement. Elle met en avant les personnes exclues telle que les monstres, les handicapés… et dévalorise par contre l’homme, la femme, le couple ou encore l’enfant alors que c’est ce qui est censé participer au bonheur d’un individu.

Sans prétention Diane Arbus pensait que si elle n’avait pas fait ses photos beaucoup de personnes n’aurait jamais vu les sujets qu’elle photographiait. Tout au long de sa vie elle sait impliquer dans son œuvre, en côtoyant et en vivant de la même manière que ses sujets. (Ex : camp de nudiste ou elle s’est retrouvée elle-même nudiste) Ainsi elle a pu nous livrer un portrait de l’Amérique des années soixante très réaliste et très simple que peu de personne connaissait.

Marine Commont

Crimes et Châtiments ou Sadisme et Perversion?

Le 25 mars dernier lors d'une petite soirée entre amis, je suis allée voir la dernière exposition du musée d'Orsay. Il s'agit de l'exposition très attendue "Crime et Châtiment" créée et mise en place par Monsieur Jean Clair -qui en est le commissaire d'exposition. Le billet d'entrée pour les étudiants n'est pas excessif; 1.50€ pour les moins de 26 ans et gratuit pour les étudiants en Arts Plastiques.

La première salle est un petit couloir plongé dans une semi obscurité et au bout de celui-ci trône une guillotine, telle une menace pour tout spectateur imprudent. L'ambiance est légèrement lugubre, comment pourrait-il en être autrement me direz-vous, et vous avez tout à fait raison! Le sujet principal de cette salle est le crime voire la minute précédent celui-ci. La seconde salle parle plus de la révolution française, d'où la présence de la guillotine dans la salle précédente qui permet une belle transition. Ensuite vient le thème de la folie prédominant dans la salle suivante , avec beaucoup de tableaux représentant Lady Mc Beth. Vient ensuite le thème de la justice et plus précisément des hommes rendant cette justice; que ce soit des portraits de juges ou des peintures représentant des prisonniers. Pour finir les trois dernière salles sont dédiées au châtiment en lui-même; que ce soit avec des peintures, des couvertures de journaux ou même des reconstitutions d'outils de torture.

Points positifs:
- Présence de très belles pièces comme "La Mort de Marat" de David.
- Informations précises et non excessives, cartels simples mais explicites.
- Disposition recherchée des œuvres exposées; dialogues permanent entre chaque pièce.
- Prix d'entrée tout à fait abordable.

Points négatifs:
- Très mauvais éclairage, reflet très gênant dans la contemplation des œuvres.
- Côté pervers prédominant dans la profusion d'images représentant les châtiments.
- Déséquilibre entre chaque section, le châtiment compte à lui seul la moitié des œuvres exposées en dépit du crime ou de la justice.

"Mort de Marat" 1793, Jacques Louis David.

[CLR]