David Guez à suivit successivement deux parcours d'étude, le premier dans l'informatique, le deuxième dans l'art. suite à ces différents apprentissage, il a souhaiter mélanger les deux et donc faire son art sur le médium informatique et plus spécialement avec comme toile de fond internet.
Les propos qui vont suivre sont purement personnel, du à mon ressentit sur l'après intervention de l'artiste. il ne sont donc que le reflet de mes questionnement.
Ce travail m'a perturbé dans la mesure où je ne l'ai pas compris. Le coté prouesse informatique (ou numérique) m'est clairement apparu, de par les ligne de codes ... mais le coté artistique reste très vague, flou. Je n'ai visiblement pas été le seul à rester perplexe, une camarade du cours à poser directement la question à l'artiste. La réponse tirée reste cependant une fois encore vague et qui ne m'a que très peu éclairé. Une remarque m'a finalement marqué dans sa réponse : "l'art c'est être libre" (reformulée) or l'art n'est pas forcement libre, et il n'y a pas que l'artiste qui peu être libre... encore une fois la réponse ne m'a pas paru satisfaisante.
L'impression que j'ai retirée de ce travail (que je n'arrive pas à appeler "œuvre") est que David Guez "construisais des chassie pour que d'autre peintre les remplisse pour lui". Ce qui me semble être un travail déjà vu et même répété, ou pas assez poussé dans la reflexion pour être artistique.
A un moment le sujet Marcel Duchamp est venu dans la discutions. la question que nous a posé l'artiste est : "son urinoir est il une œuvre d'art?". dans l'art de Duchamp, ce qui est cherché, c'est la provocation, l'extrême ... il à été l'un des premiers a remettre en question ce qui devais être considéré comme art. je comprend donc la démarche, je comprend l'art de Duchamp (ce qui ne veux pas dire que je l'apprécie ou l'approuve complètement), or je ne comprend pas l'art de David Guez.
C'est un travail qui m'a laissé perplexe, un peu trop neutre, or pour moi l'art dois provoquer quelque chose (positif ou négatif) mais pas de l'indifférence.
Ce qui m'a perturbé dans ce travail est donc non pas le travail en lui même, mais plutôt le manque d'intérêt que j'ai pu y porter, le manque "d'art"
William Smets 239313
mercredi 24 mars 2010
mardi 23 mars 2010
« Reflection of a sound » de Silverchair , album Young Modern , 2007
Le clip Relections of a Sound a été réalisé par Damon Escott et Stephen Lance de Head Pictures, ( Australie )
Daniel Johns ( la chanteur de groupe ) apparaît comme le sujet d'une série d'œuvres d'art , à travers des installations artistiques à 3 dimensions. Inclus les œuvre de artiste suivent Mondrain , Magritte ( Ce ci n’est pas une pipe 1928 , La fils de homme 1962 , La clairvoyance 1930 , Golconde 1953 , Le chef d’œuvre ou les mystères de l’horizon 1955 , Décalcomanie 1966 ) Dali & Da vinci ( Monalisa ) , etc.
& merci à youtube : )
Mattanin VORAMALA (258296) L3
dimanche 21 mars 2010
Mijn Schatje
Mijn Schatje, de son vrai nom Marie Blanco Hendrickx, est une artiste qui surfe sur la tendance de l'illustration numérique. Son univers est un univers onirique emprunt de mélancolie.
C'est aussi le monde de l'enfant qui apparait dans son travail. Des visages de poupées prennent place sur le devant de la scène; noyées dans un monde mystique et fantastique.
La Galerie Brugier-Rigail abritait une exposition collective où était présente entre autre notre artiste.
Cependant en s'intéressant à cette artiste, on se rend vite compte qu'une polémique vive entoure ses oeuvres.
En effet, les visages de poupées qui apparaissent dans son travail sont en fait bien connues car il s'agit tout simplement de poupées (BJD) déjà existantes et protégées donc par des droits.
Certaines images sont assez éloquentes et parle d'elle même.
Ici la poupée originale à gauche et le travail de l'artiste à droite
L'artiste semble donc se "contenter" d'insérer ces poupées dans son univers féerique.
Sachant cela il est tout de même assez aberrant et dérangeant qu'une artiste qui semble tout de même faire du plagiat pur et simple (ce dont elle se défend) puisse montrer ses oeuvres dans des galeries et dans le monde de l'art en général sans être inquiétée plus que ça.
On est tout de même bien au delà d'un artiste qui se serait juste "inspiré" de la façon de travailler d'un autre artiste par exemple.
Tout ceci nous interroge donc sur la notion d'artiste et de plagiat. Jusqu'où ce dernier peut aller? Quels sont les limites?
JG
C'est aussi le monde de l'enfant qui apparait dans son travail. Des visages de poupées prennent place sur le devant de la scène; noyées dans un monde mystique et fantastique.
La Galerie Brugier-Rigail abritait une exposition collective où était présente entre autre notre artiste.
Cependant en s'intéressant à cette artiste, on se rend vite compte qu'une polémique vive entoure ses oeuvres.
En effet, les visages de poupées qui apparaissent dans son travail sont en fait bien connues car il s'agit tout simplement de poupées (BJD) déjà existantes et protégées donc par des droits.
Certaines images sont assez éloquentes et parle d'elle même.
Ici la poupée originale à gauche et le travail de l'artiste à droite
L'artiste semble donc se "contenter" d'insérer ces poupées dans son univers féerique.
Sachant cela il est tout de même assez aberrant et dérangeant qu'une artiste qui semble tout de même faire du plagiat pur et simple (ce dont elle se défend) puisse montrer ses oeuvres dans des galeries et dans le monde de l'art en général sans être inquiétée plus que ça.
On est tout de même bien au delà d'un artiste qui se serait juste "inspiré" de la façon de travailler d'un autre artiste par exemple.
Tout ceci nous interroge donc sur la notion d'artiste et de plagiat. Jusqu'où ce dernier peut aller? Quels sont les limites?
JG
samedi 20 mars 2010
né dans la rue
exposition de la Fondation Cartier rendant hommage au graff du 7 juillet au 10 janvier.
La fondation cartier nous met dans l'ambiance graffiti dès l'extérieur, en nous présentant un mur où les visiteurs peuvent s'exprimer à leur manière, par le graff, par des mots, comme ils l'entendent. Cette fresque contraste avec les panneaux en verre de la façade de la fondation.
Ce que je trouve assez aberrant, c'est que a fondation n'a fais qu'autoriser ce que les graffeurs s'étaient déjà permis devant d'autre musées. Par exemple, le musée d'art moderne de paris, vois les palissades face au musée lui même. Ainsi le groupe de parisiens se nommant « sexuellement incorrigible » a utilisé un morceau de cette palissade sur une hauteur d'environ 2 mètre et une longueur d'environ 8 mètre pour y taguer son nom. Cette exemple prouve bien que les graffeurs n'ont pas attendu la fondation cartier pour installer leur travail où bon leur semble.
Malgré tout, pour moi, même si cette palissade me fais doucement rire, elle reste peut être plus proche de l'esprit du graff que le reste de ce qui est proposé a l'intérieur. Notamment parce qu'elle est en extérieur. Pour moi, le graff est la revendication de la liberté, si les peintre hollandais ont sortis leur chevalet pour peindre dehors, les graffeurs ont TROUVER leurs support dans la rue au hasard des chemins, même si ils ont par la suite pris le temps de réfléchir à ce qu'ils allaient faire, avant de le réaliser.
Cette exposition me pose un problème dans la mesure où, comme le dit le nom de l'événement, c'est un art qui est né dans la rue, mais qui semble avoir été apprivoisé pour l'enfermer dans un musée. Cet art libre, provocateur, indépendant, et aux yeux de tous se retrouve confiné à un endroit, restreins dans cet endroit ce qui l'empêche d'utiliser les support qu'il peut trouver dehors, édulcoré et surtout fermé aux publique, puisque l'entrée est payante.
La première salle semble être dans une semi pénombre, une lumière tamisée. Ce coté peu rappeler le graff nocturne, là où les graffeur ont le moins de risque de se faire attraper par les forces de l'ordre. Cette atmosphère est celle qui peut le mieux transmettre l'état d'esprit d'un graffeur. Si la pénombre brouille le visuel, elle transmet une intimité, mais avant tout une incertitude et un inconnu, ce qui correspond parfaitement aux graffeurs. Car même si certains sont connus, la plus part reste néanmoins de parfais inconnus et ce pour des raison de répression vis à vis de la justice. Un point négatif reste tout de même assez invraisemblable à mes yeux : la proposition d'un « habit de graffeur » … puisque le graff est un art libre, que beaucoup de personne pratique, de tout âges (exemple Basco Vazco pour les plus jeunes et Part One ou Gérard Zlotykamien qui sont plus âgés) , toute nationalités … comment peut-on attribuer un style vestimentaire à un art aussi dispersé dans le temps et le monde? Surtout, après c'est peut être une erreur de ma part, mais je n'arrive pas à imaginer un graffeur qui au final dois se fondre dans le paysage pour ne pas se faire attraper, s'habiller avec un casque de chantier et un gilet réfléchissant.
L'étage d'après se trouve en pleine lumière, on perd l'intimité. Galerie plus contemporaine, plus proche de ce que l'on vois dans les autres musées … quel est le but de cette galerie? Exposer les œuvres … bien que certaines, soient sur les panneaux vitrés de la fondation cartier, chaque graff est écarté des autres. On sens les frontières se mettre, les espaces entre graffeurs se placer … pourquoi ne pas avoir pris une liberté total? Pourquoi ne pas avoir lâché les graffeurs dans cet espace avec leur matériel? Les laisser choisir vraiment leur place, leur liens avec les autres … le graff est un art éphémère, c'est d'ailleurs ce que dis Gérard Zlotykamien en créant ses personnages sur les vitres. Mais il n'y a aucune altercation entre les graff. Or dans la rue, tous se mélange. La rue semble révéler cette envie de se mélanger, d'unité, de solidarité dans un combat pour ses valeurs morales. Au final, un graff dans la rue n'est pas l'œuvre d'une personne, c'est la fresque entière, le mur, pas la signature.
Le point que je juge très positif dans cette exposition est de montrer un peu l'histoire du graff, et de montrer que le graff n'est pas nouveau, mais qu'il se pratique depuis des années et est un phénomène mondial.
La meilleur exposition de graff, celle qu'il faudrait prendre le temps de regarder c'est la rue en elle même. Or ce paysage nous est si familier qu'on ne le remarque plus. Pour pallier à ce manque d'attention certains ce sont donner l'objectif de nous montrer les graff les plus abouti, spectaculaire qu'ils ont pu rencontrer, c'est le cas de ce site :
http://www.almanart.com/le-graphitisme-un-mouvement-fort.html
William Smets
Maurizio Cattelan, ou la douce folie d'un gamin des rues devenu bouffon des arts!
Lorsque Erasme fait parler la Folie, il use du masque comme moyen pour éviter la censure, tout comme le fou du roi feint l’idiotie pour mieux faire passer la critique ou le conseil. Maurizio Cattelan participe de cette connivence d’esprit, retors aux normes, et demeure le garnement pour qui l’école était supplice, le jeune adulte pour qui le “ travail est un dur métier ”. Être stupide ou prétendre l’être, permet de dire ce que l’on pense, tout au moins de l’insinuer. C’est une façon détournée de dire la vérité, tout en évitant le châtiment des révélations. Et lorsque l’on convoque Hollywood, le cynisme qui caractérise l’entreprise ne peut être le fruit d’une stupidité avérée.
Maurizio Cattelan met l’accent sur des réalités cachées et crée des situations subvertissant les interprétations, les stratégies et les règles. Confrontant les malaises et les fractures de la société aux mécanismes de l’humour noir et de la pure fiction, l'œuvre de Cattelan trace de nouveaux territoires de liberté.
Souvent l'artiste utilise l'ironie et la satire voire même le cynisme dans ses réalisations. Il tourne en
dérision la condition humaine en caricaturant des grands noms de l'histoire (de l'humanité ou juste de l'art; ndlr Adolphe Hitler et Pablo Picasso) ou des lieux mythiques (le panneau « Hollywood » surplombant une décharge en Sicile). Pour lui rien n'est impossible, il peut tout se permettre, il est même allé jusqu'à déguiser son galeriste parisien -Emmanuel Perrotin- en un espèce de lapin phallique qui fut appelé « Errotin Le Vrai Lapin ». Maurizion Cattelan est un artiste sans complexes ni tabous, rien ne l'effraye; pas même la fureur du Führer! Cattelan pratique une variété vitale des genres et des supports, refuse de s'enfermer dans un style. Le jeu n'est donc pas chez lui une simple arme de dénonciation ou une façon de retourner la société contre elle-même : c'est avant tout une philosophie pratique, un principe de vie.
De plus au regard de l’actualité, les œuvres de Maurizio Cattelan ne sont pas si provocatrices. La vie de tous les jours éructe son lot de misères, d’abrutissements en tous genres et anesthésie petit à petit les relents de sensibilité humaine. Mais la provocation en art est si bourgeoise et tellement décadente. Aussi, l’acuité dont témoigne l’attitude de Maurizio Cattelan dénote une parfaite compréhension du monde de l’art, de ses rouages, de ses stratégies, de sa paranoïa. Dans leur enjeu commun d’appropriation, la copie, le vol, la falsification et le mensonge permettent de multiplier les perspectives de l’œuvre et de son contexte. Le profil de l’œuvre semble assez bien s’articuler avec les différentes stratégies qui les composent tels que l’opportunisme, le cynisme, l’hybridation et la morbidité.
Informations à propos de Maurizio Cattelan:
Maurizio Cattelan est un artiste italien né à Padoue en 1960, issu d'un milieu populaire, il débute par toutes sortes de petits boulots, mais sans succès et vit licenciement sur licenciement. Il travaille même à la morgue ce qui va le marquer et peut-être être à l'origine de son goût particulier pour le macabre.Puis il décide de trouver sa place et de faire parler de lui par la provocation et les détournements, par la surprise : il plante des oliviers dans la cour d'institutions, présente une autruche empaillée avec la tête enterrée dans le sol, il accroche sur un mur son galeriste milanais avec un ruban adhésif et il crée la Fondation Oblomov (soit une université de l'échec, car les artistes faisant partie de cette « université » s'engagent à ne pas exposer pendant un an!).
Sa dernière exposition en France date de 2004, il fut exposé en solo au Musée du Louvre.
Index des images:
1) Maurizio Cattelan dans son atelier.
2)« Him » 2001, statue de cire
3)« Errotin le vrai lapin » 1995, déguisement
[CLR]
Roman Opalka, l'Artiste Romantique...
Suite à la rencontre de
l'artiste Olivier Michel, le 12 mars dernier, un nom pas tout à fait inconnu m'est parvenu plusieurs fois aux oreilles; Roman Opalka.
J'ai cherché dans ma mémoire à quel moment j'avais entendu parler de cet artiste, quand tout à coup je me suis souvenue d'une recherche que j'avais fait quelques années plus tôt.
Mars 2009, Visite de Beaubourg, recherche d'un artiste vivant travaillant la couleur... Je vois Yves Klein et ses anthropométries, puis la salle spécialement consacrée au minimalisme -qui est composée d'une multitude de monochromes blancs. Puis je vois cette toile; blanche avec d'autres traces blanches plus claires encore (comme une nuée d'abeilles en contre jour); je suis intriguée je me rapproche et je discerne une suite de chiffres...
Je ne comprends pas, je suis désorientée, pourquoi ce monochrome ci est-il recouvert de chiffres?
Ni une ni deux je vais demander au gardien l'histoire de cette toile. Celui ci n'en sachant pas plus que moi me renvoi au salon des visiteurs, ceux ci me renvoient à la bibliothèque Une fois à la bibliothèque je trouve un livre dessus et me mets à lire. L'histoire est simple; monsieur Opalka ne fait rien d'autre que de nous signifier que le temps passe! Chose encore plus intéressante, je découvre que celui ci n'a pas fait que peindre des toiles blanches et écrire cette suite de chiffres en blanc par dessus. Non, au tout début ses toiles étaient noirs puis au fur et à mesure qu'il terminait une toile, la suivante s'éclaircissait. Peut être y a t-il un rapport avec la couleur des ses cheveux, qui s'éclaircissent avec le temps ou bien est ce l'allégorie de son esprit...
Mais cette suite de chiffre quand a t-elle commencé?
La rumeur, ou la légende, veut que ce soit suite à un rendez vous avec sa femme, au commencement de leur relation, qu'il eu cette idée. Il se mit à compter chaque seconde d'attente, ou chaque minutes, (les secondes c'est plus romantique). Depuis ce moment il n'eut de cesse chaque jour à s'enregistrer vocalement et de peindre cette suite de chiffre sur ses toiles. De plus chacune de ses séances de « peinture » est illustrée d'une photographie de lui au format portrait, égale à ceux des photomatons.
Il nous donne donc à voir le temps qui passe aussi bien à travers la couleur de sa toile que par la suite infinie de chiffres ou encore l'évolution de son corps.
Après ca je retourne devant la toile et effectivement une fois l'histoire connue, le sens coule de source. L'énigme est levée. La couleur prend un nouveau sens; spirituel et philosophique et non plus seulement esthétique.
« Je voulais manifester le temps, son changement dans la durée, celui que montre la nature, mais d'une manière propre à l'homme, sujet conscient de sa présence définie par la mort: émotion de la vie dans la durée irréversible. » R. Opalka
Informations à propos de Roman Opalka:
Roman Opalka est né en 1931 à Hocquincourt, de parents polonais. Il est diplômé de l'Académie des Beaux-Arts de Varsovie. Il est professeur d'Art à la Maison de la culture de Varsovie (1958-1960). Roman Opalka comme l'a expliqué Michel Olivier est un artiste très protocolaire. Son « œuvre de vie » à commencé en 1965 et continue encore aujourd'hui. Ses toiles commencèrent à éclaircirent à partir de 1972 lorsqu'il atteignit le million (à chacune de ses nouvelles toiles il rajoute 1% de blanc au noir préexistant.). Pour anecdote, il peint en moyenne 380 nombres par jours.
l'artiste Olivier Michel, le 12 mars dernier, un nom pas tout à fait inconnu m'est parvenu plusieurs fois aux oreilles; Roman Opalka.J'ai cherché dans ma mémoire à quel moment j'avais entendu parler de cet artiste, quand tout à coup je me suis souvenue d'une recherche que j'avais fait quelques années plus tôt.
Mars 2009, Visite de Beaubourg, recherche d'un artiste vivant travaillant la couleur... Je vois Yves Klein et ses anthropométries, puis la salle spécialement consacrée au minimalisme -qui est composée d'une multitude de monochromes blancs. Puis je vois cette toile; blanche avec d'autres traces blanches plus claires encore (comme une nuée d'abeilles en contre jour); je suis intriguée je me rapproche et je discerne une suite de chiffres...
Je ne comprends pas, je suis désorientée, pourquoi ce monochrome ci est-il recouvert de chiffres?
Ni une ni deux je vais demander au gardien l'histoire de cette toile. Celui ci n'en sachant pas plus que moi me renvoi au salon des visiteurs, ceux ci me renvoient à la bibliothèque Une fois à la bibliothèque je trouve un livre dessus et me mets à lire. L'histoire est simple; monsieur Opalka ne fait rien d'autre que de nous signifier que le temps passe! Chose encore plus intéressante, je découvre que celui ci n'a pas fait que peindre des toiles blanches et écrire cette suite de chiffres en blanc par dessus. Non, au tout début ses toiles étaient noirs puis au fur et à mesure qu'il terminait une toile, la suivante s'éclaircissait. Peut être y a t-il un rapport avec la couleur des ses cheveux, qui s'éclaircissent avec le temps ou bien est ce l'allégorie de son esprit...
Mais cette suite de chiffre quand a t-elle commencé?
La rumeur, ou la légende, veut que ce soit suite à un rendez vous avec sa femme, au commencement de leur relation, qu'il eu cette idée. Il se mit à compter chaque seconde d'attente, ou chaque minutes, (les secondes c'est plus romantique). Depuis ce moment il n'eut de cesse chaque jour à s'enregistrer vocalement et de peindre cette suite de chiffre sur ses toiles. De plus chacune de ses séances de « peinture » est illustrée d'une photographie de lui au format portrait, égale à ceux des photomatons.
Il nous donne donc à voir le temps qui passe aussi bien à travers la couleur de sa toile que par la suite infinie de chiffres ou encore l'évolution de son corps.
Après ca je retourne devant la toile et effectivement une fois l'histoire connue, le sens coule de source. L'énigme est levée. La couleur prend un nouveau sens; spirituel et philosophique et non plus seulement esthétique.
« Je voulais manifester le temps, son changement dans la durée, celui que montre la nature, mais d'une manière propre à l'homme, sujet conscient de sa présence définie par la mort: émotion de la vie dans la durée irréversible. » R. Opalka
Informations à propos de Roman Opalka:
Roman Opalka est né en 1931 à Hocquincourt, de parents polonais. Il est diplômé de l'Académie des Beaux-Arts de Varsovie. Il est professeur d'Art à la Maison de la culture de Varsovie (1958-1960). Roman Opalka comme l'a expliqué Michel Olivier est un artiste très protocolaire. Son « œuvre de vie » à commencé en 1965 et continue encore aujourd'hui. Ses toiles commencèrent à éclaircirent à partir de 1972 lorsqu'il atteignit le million (à chacune de ses nouvelles toiles il rajoute 1% de blanc au noir préexistant.). Pour anecdote, il peint en moyenne 380 nombres par jours.
R.Opalka 1965/1 à l'infini,détail 3324388-3339185(1965-1982)
Peinture acrylique sur toile de coton, 196 x 135 cm
[CLR]
dimanche 14 mars 2010
Le surréaliste & La publicité
« Ce ci n’est pas une mère dans la détresse, c’est une femme qui alphabétise les enfants de bogata »
« Ce ci n’est pas un africain miséreux, C ‘est un créateur d’entreprise »
La composition en 3 éléments ; titre, image et explication en dessous. Ces 2 publicités qui rassemble de « Ce ci ce n’est pas une pipe » un œuvre de Magritte en1933 avec le respect de cet œuvre.
Un œuvre surréaliste de Magritte, ce tableau se présente la communication contre l’habitude, la perception contre le réel, le visible contre l’invisible. « le peinture sur l’image visible, aussi sur l’image invisible au peintre. »
« Ce ci n’est pas une pipe, c’est une présentation d’une pipe »
La connexion de communication de l’artiste au publique, cet œuvre se présente de l’autre définition de cet image, ce n’est pas le définition de celle que l’on voit ou aperçoit.
Dans le monde de publicité, ce n’est pas si facile à faire une simple publicité qui est bien fonctionné. La rassemble d’un œuvre très connu, prend déjà l’attention de publique, donc le prêt de technique, l’idée, la présentation de quelques œuvres, sont des bonnes manières d’avoir l’attention des gens, mais ce n’est pas n’importe quel œuvre qui peut fonctionner bien comme celle-ci.
Je remercie beaucoup à Magritte pour ses créations de meilleur œuvre qui nous ont inspirés jusqu’au présent.
Mattanin VORAMALA (258296) L3
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