Le Temps d'un instant.

J'avais il y'a quelques mois depuis cet nouvelle année vu quelques expositions dont je n'avais malheureusement pas eu le temps d'en faire des comptes rendus. Ces expositions sont pour la plupart donc finis. Je vais tout de même en faire les comptes rendus!


La première est une exposition que j'avais eu la chance de découvrir a la Galerie Europe. Elle présentait un artiste du nom de Bernard Bouin intitulée "Le Temps et la Nature". Il s'agissait ici d'une dizaine d'œuvres peintes ou étaient représenter des paysages, plus exactement différents plans de paysages.


Ce que j'en ai ressenti est bel et bien que chacun de ses paysages transmettait cette sensation de calme et de plénitude, de totalite mais en même temps présentait des vides Comme si cette nature était absente et inhabitée se suffisait a elle même. Que l'harmonie régnait et qu'elle etait la juste pour qu'on l'admire, qu'on la contemple simplement. Qu'il n'y avait donc pas de présence a par elle. Si je peux aller plus loin, que la présence de l'homme ne semble pas déranger son déroulement. Voici le Jardin D'Éden avant l'intrusion d'Adam.

Le fil des saisons était représenté. On passait d'un hiver doux a un printemps plus chaud. On pense aussi a une sorte de carnet de voyage réalisé cette fois ci en grand format.


Cette exposition m'as donc dans l'ensemble plu et permis de voyager, rêver et m'évader l'espace d'un instant. De passer de cet aspect urbain qu'est la ville et rentrer dans ce "champs". Et je pense que cela s'accorde bien avec l'intitulée de son exposition. "Le Temps et La Nature".

REY

Christophe Cuzin

Le cours de vendredi derniers fut l'occasion d'effectuer une synthèse de la séance précédente où nous avons reçu Christophe Cuzin ,"artiste peintre en bâtiment" comme il dit.

Le travail de ce curieux/ sympathique personnage au costard noir et aux cheveux gras s'articule autour de l'interaction entre la couleur monochrome et l'espace utilisé comme support . En effet , cet artiste ne peint pas sur des toiles mais directement sur les murs du lieu d'exposition. Dès lors ,on pourrai penser que rien ne le différencie d'un peintre en bâtiment ,mais ce serais là une erreur. Le statut (ou la nature) d'oeuvre d'art est déterminé par les quelques centimètres (un nombre très précis que j'ai oublié) de bord blanc qui encadre le monochrome ; en faisant varier la largeur du cadre (plus fin, plus gros, souligné d'une périphérie de scotch, etc.) Une série d'oeuvres suivra ce même principe. C'est ce contour qui "dessine la couleur". Mais la couleur utilisé joue également un rôle primordiale dans l'espace: dans d'autres oeuvres que l'artiste nous a présenté, la couleur envahie une grande partie de la pièce, parfois du sole au plafond et redéfinit l'espace en bouchant les ouvertures (portes, fenêtres) ou en les décalant de quelques centimètres. Le peintre poursuivra son oeuvre jusque dans le paysage urbain. La couleur intervient alors comme révélatrice d'architecture, l'artiste ne peignant pas le modèle, mais SUR le modèle.
Sa picturalité se rapprocherait de l'abstrait, de l'expressionnisme américain qu'un critique de l'époque nomma "Action painting" dans l'idée de dialogue entre le peintre et le support. Couzin ne sait jamais ce qu'il va peindre à l'avance car c'est la structure du lieu ,et donc le support, qui déterminera celle de l'oeuvre.

Le mur est un élément primordiale dans le travail de C.Couzin. En effet l'initiative de peindre sur des murs viendrait d'un constat de l'évolution de la façon de photographier les oeuvres d'une exposition. Les photographies publiées dans la presse culturel et artistique ne représentent plus seulement l'oeuvre seul, mais montre également le mur, l'espace qui l'entoure. L'espace d'exposition prend il alors autant d'importance que l'oeuvre? Peut il en faire partie? Peut être bien; C.Couzin est bien intervenue sur les mur d'exposition d'oeuvre de Picasso, ces lignes monochrome côtoyant et dialoguant avec les chef d'oeuvres du peintre cubiste.

Son oeuvre semble dans une certaine mesure, empreinte de son parcours professionnel aussi atypique qu'éclectique .Un C.A.P. mécanicien moteur en poche, Il semblait davantage prédestiné à reprendre la boutique du paternel garagiste mais s'interresse à la peinture et au dessin et suit les cours des beaux arts de Bensanscon ,"parceque c'était la seule école où il n'y avait pas de concours d'entrés(!)" ,dont il n'obtient finalement pas le diplôme et échoue dans notre chère université paris 8 dont il dit en riant qu'il n'y a rien appris (c'est rassurant...). Il y fait tout de même des rencontres importantes puisqu'il fondera avec d'autres étudiants le premier espace culturel alternatif "l'usine de palichaos". Il évolura beaucoup dans les milieux associatifs (création d'une galerie dans son village), organisera des expositions puis exercera une pallette de métiers représentatif de ce que l'on peut faire de ses études d'art : décors de théâtre, chantier de bâtiment, cours de dessin pour les enfants, puis professeur pour divers écoles des beaux arts....

Si cette éparpillement professionnel et son humour décalé nous donne l'impression qu'il évolue en dehors du système et du marché de l'art, Christophe Couzin est ,contrairement aux apparences, bien intégré au milieu même s'il n'a vendu que très peut d'oeuvres à des paticuliers. Il semble très productif et est à l'origine de centaines d'expositions ..


Rosane

Nazanin Pouyadeh

Le chant des soldats

Pour mon deuxième compte rendu je reste dans le domaine de la peinture à travers le travail de Nazanin Pouyadeh. Mais ici contrairement à Stefan Sehler aucune ambigüité ne subsiste, on est dans une peinture aussi figurative que possible.

Nazanin Pouyandeh est une jeune peintre originaire de Téhéran qui vit et travaille en France.

Ses œuvres sont visibles à la galerie Eric Mircher.

Au premier coup d’œil on ne relève rien de transcendant dans les compositions de l’artiste : de la peinture figurative qui s’essaye, dans une certaine mesure, à la mimésis et qui a pour obsession l’omniprésence de la figure humaine = de la bonne peinture comme on aime.

Mais l’intérêt de sa peinture ne réside pas dans son aspect formel mais dans l’ambigüité des sujets développés, la jeune artiste nous donne à voir un univers surréaliste presque incongru, qui se révèle difficile à appréhender.

Dans son œuvre, une multitude de thèmes, de cultures, d’images se mêlent et s’unifient dans cette peinture résolument moderne.

Agate

Des peintures comme « Agate » ou « Farhad et Kamyar » illustrent bien le propos de l’artiste. La première est surement à prendre au second degré et s’amuse à inverser le mythe de Remus et Romulus, ici c’est une femme qui à quatre à patte et se met à niveau de la nature, et alimente ses progénitures en forme de louveteaux.

Représentée de son plus simple habit, la jeune femme ne semble pas à son aise dans cet environnement qui lui est proposé: pur construction mentale entre le western spaghetti et l’univers préhistorique, ce paysage intemporel revient avec récurrence dans ses compositions. « Dans l’oubli, l’angoisse et l’attente, c’est ainsi que vivent mes personnages, égarés dans des lieux oniriques et illusoires. »

Si la composition qui caractérise « Agate » arrive à faire place à une réserve, à nous laisser respirer par son arrière plan très marqué en forme d’horizon blanchâtre et impalpable, la plupart des œuvres de Pouyadeh sont fortement chargés et souvent très riche en couleur, nourries par toutes sortes d’images et de signes qui arrivent, non sans saturation, à constituer une mythologie personnelle.

Dans son éclectisme la jeune femme intègre souvent une iconographie orientale quelque peu « archaïque », comme cette espèce de fresque au premier plan du « chant des soldats », une imagerie qui marque sa différence par rapport à la facture générale de l’œuvre, qui n’est pas du tout léché et parait quelque peu naïf.

Farhad et Kamyar

Le clivage est telle dans certaines composition qu’on pourrait presque parler de collage surréaliste, on lit sur le web que cet improbable mélange qu’opère l’artiste serait le fruit de son exil en France…pourquoi pas.

En tout cas ce qui est sur c’est que l’artiste n’a pas peur des mélanges hétérogènes et essaie de façon très personnel de créer une mythologie dont la mis en image rappelle parfois cette « rencontre fortuite sur une table de dissection d’une machine à coudre et d’un parapluie ».

Mutt.

HCB a MEP

 

un coin dans l'exposition a MEP , paris

il y a 2 mois  d'après l'exposition rétrospectifde Henri Cartier blessons dans la même galerie , 

cette fois c'est une des parties de l'exposition " Delpire & Cie "

avec 13 photos très connus

Grèce / Madrid / Séville

HCB Matisse

Quai de Javel / Medel Prison / Pékin  

Valencia / Saint Lazare / Cardinal 

Irlande / Irlande / Kashmir 

la façon de composition et la  fonction contre  l'espace & la personnage 

ses photos se trouve sur le livre , la publicité ou la carte postale , 

mais ce n'est pas facile de voir les tirages d'origine comme cette fois

l'exposition " Delpire & Cie " a MEP jusqu'à 24/01/12 entrée gratuit tous le mercredi a partir de 17h

MATTANIN

"Evguénie Sokolov" Serge Gainsbourg (1980 )

S'aviez vous que Serge Gainsbourg avait écrit un livre?Evguénie sokolov ,conte parabolique dans une large mesure autobiographique relate du début à la fin, la vie d'un artiste d'origine slave surdoué de l'accablante ,honteuse faculté de lâcher des pets .
Sublimant son anomalie, il s'invente le gazomètre,machine qui expulse par les spasmes de son sphincter ses grappes tonitruantes de peinture sur la toile.C'est ainsi propulsé par ses vents qu'il accède à la célébrité et est érigé au statut de chef de fil du courant des "hyperabstractions" se gardant bien, toute fois, de révéler les provenances fétides de son génie picturale.

Les ressemblances entre Evguénie Sokolov et Gainsbourg outre leurs origines slaves, sont nombreuse et évidentes. Ainsi la peinture qu'il pratiqua se trouve au centre du livre et y est décrite minutieusement. La pratique de cet art, comme celui qui fit le succès de Gainsbourg est originale et novatrice,leurs succès commun ,tout aussi fulgurant les mettrons sur le devant de scène avec les fameuses interviews où ils se feront remarqué avec des provocations (Sokolov à court d'argumentation pseudo-intellectuel, extirpant le pet à la source de son talent dans le microphone de l'interviewer.). Des traits du personnage du livre sont propres au personnage-auteur comme la misanthropie et la solitude qui en découle, avec comme illustration , la seule amitié d'Evguénie: son chien péteur. Ces positions marginales iront également jusqu'à l'évocation de la pédophilie.

L'auteur du"requiem pour un con" nous livre ici dans un langage riche et précis une perle de provocation humoristique qui démystifie l'artiste et interroge la question de la vacuité dans l'art; il renverse le principe d'idolâtrie qu'on use volontiers pour certain personnage publique en se fondant sur le trivial , le vulgaire de sa condition humaine, comme le laisse présager la phrase d'introduction: "le masque tombe,le héros s'évanouit,l'homme reste."

Rosane.

La subversion des images

Vendredi dernier, poussée par mon programme scolaire et mon admiration pour Hans Bellmer (et bien d'autres) je décide enfin de me rendre, armée de mon pass all accès qui ne m'a coûté que 20 euros ,à l'exposition "La subversion des images,surréalisme, photographies,films ". L'évènement se déroule jusqu'au 11 janviers dans un endroit hautement tenu secret.

L'exposition présente plus de 400 oeuvres qui offre un panorama de photographies , de collages et autres photomontages subversifs des grands noms d'artistes ayant participé au mouvement du surréalisme. Elle a pour ambition de synthétiser ses grandes idées directives en neuf étapes: "L'action collective"(photographie du groupe,description de ces membres qui " font corps par l'image", importance de la cohésion ),"le théâtre sans raison","le réel, le fortuit et le merveilleux","la table de montage", "pulsion scopique","le modèle d'intérieur" ,"écriture automatique","anatomie de l'image" et enfin "du bon usage du surréalisme".

Ainsi, la première pièce insiste sur l'importance de l'aspect collectif du mouvement mené par André Breton ;le groupe crée des textes à plusieurs,donne lieu à des création de collages à plusieurs et de cadavres exquis,photographie de groupe qui nous permet d'identifier ses membres artistes ou écrivains ( Breton,Aragon, Eluard, Desnos, Ernst, Dalí, Jean Arp, Tanguy, René Char, René Crevel, Giorgio De Chiric,..) comme notament le très connu échiquier surréaliste.
La seconde pièce expose des photographie et des films traitant de la notion de théâtralité dans l'esthétique surréaliste. J'ai particulièrement retenu une série de photos représentant chacune un ou plusieurs individu "performant",mimant une action sans la présence de l'objet ,feignant de le tenir (ex:"les buveurs") et la série traitant de l'érotisme mis en scène en photographie où j'ai pu admirer pour la première fois "en vrai" les épreuves de "La poupée" de Hans Bellmer ou le photomontage "Le phénomène de l'extase" de Dali ,publié dans la revue "Le Minotaure",(j'ignore si cela a été sité dans l'exposition, je l'ai peut être loupé) ,revue, comme l'indique sa brochure de publicité que j'ai trouvé dans un autre magazine sur le"surréalisme-fantastique-humour-pataphysique-cinéma-arts".

Un autre pièce de l'exposition traite justement de la réexploitation de photographies surréaliste dans la publicité ou la mode dans l'après-guerre qui participerait à "la divulgation de l'imagerie et de l'esprit surréaliste"et non à la "vulgariser "ou comment trouver une conclusion positive à cette forme de commercialisation .Ainsi la photographie de Man Ray "Larmes" (1936) illustre une publicité pour un mascara accompagné de cette accroche "Pleurer au théâtre, pleurer à l'opéra! Le mascara ***** ne coule pas!".Je me suis aussi attardée sur les publicités de la pages d'à côté dont les accroches sont bien poilantes et ressemblaient à peut près à ça:
"pour rester jeune
rester mince
éviter les bourrelets inesthétique
et le ventre etc etc
utiliser la guêpière ***!"ou encore une publicité pour un parfum:"mesdames n'emprunter plus celui de votre amie(...)!!"

Si je devais faire une critique je dirais que l'exposition était peut être un peu incomplète au niveau des explications (un peu comme mon article...) et ne disait pas suffisamment en quoi ces axes de recherches étaient subversifs,puisque cela en était le sujet.La scénographie m'a paru un peu étouffante même si je me suis surprise à confondre la réalité avec l'image de la foule reflété dans un miroir (certaines pièces étaient séparés par plusieurs poteaux très rapprochés recouvert sur le côté d'un miroir, de sorte que l'on peut avoir l'impression que la pièce situé de l'autre côté est juste le reflet de de la pièce où l'on se situe.) .
Cependant de manière générale elle permet de voir ou de revoir des oeuvres majeurs et de grandes qualités et je ne regrette pas le déplacement.

Rosane

Stefan Sehler

Pour mon premier post sur ce blog je vais vous parler du peintre berlinois Stefan Sehler exposé à la galerie Baumet-Sultana. Ici on parle bien « du » travail de Selher puisque il n’y a qu’une œuvre présenté dans la galerie. Un objet monumental de 4 mètres de long, une « peinture » qui aborde l’art du paysage d’une façon tout à fait singulière.

On est bien loin ici des œuvres de Constable ou de l’école de Barbizon, pour ainsi dire il est assez difficile de définir le travail de cet artiste, autre qu’une simple représentation il offre une trace, une empreinte picturale entre peinture et photographie, qui amène le paysage dans une forme grandiloquente qui déstabilise.

Le travail de Sehler est troublant, il offre au premier regard un réalisme saisissant, mais se révèle doté d’une composition confuse propre à une certaine abstraction.

L’œuvre a pour dimension 205x405cm et profite de son format pour livrer une double lecture au spectateur.

De loin l’œuvre offre un rendu photographique, un paysage qui, certes semble quelque peu irréel dans sa composition en forme de miroir, mais reste néanmoins convaincant dans sa force de suggestion.

Alors cette gigantesque vision florale en appelle forcément à la contemplation, ne serait-ce que par son format, et impose le déplacement du spectateur au plus près du support pour suivre et comprendre la genèse de ce tortueux paysage.

Et c’est ainsi le regard perdu au plus profond de la peinture que tout mimétisme disparait au profit d’une lecture abstraite. Tous les éléments florales se révèlent être des taches grisâtres mêlant noir et marron dans des formes plus ou moins entretenues. Ces formes qui semblaient si proche de la photographie se révèlent être un mélange de taches informelles, et sa composition miroir rappelle alors d’autant plus un effet « Rorschach ».

Et si l’illusion du paysage marche si bien d’un regard global c’est surement que la nature se prête très bien à une forme d’abstraction puisqu’elle-même est soumit à une évolution plus ou moins chaotique.

Dans son accumulation picturale Sehler ne fait pas que suggérer le paysage, il construit mentalement une nature de toute pièce, et fait exister sa peinture dans sa propre évolution et construit ainsi un parallèle qui anime avec encore plus de force sa vision, « son abstraction de paysage ».

Mutt.